Trivium Mexico

Ene 07, 2016
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Source: Trivium look back on Ascendancy and their rise to the top

Matt y Corey reflexionan sobre los 10 años de Trivium y el nuevo álbum Silence In The Snow

Una década después de su álbum hito Ascendancy, Matt Heafy y Corey Beaulieu de Trivium recuerdan sobre los músicos que eran, y su progresión al nuevo LP, Silence In The Snow.

Fue a finales de 2005 cuando un grupo de jóvenes desaliñados residentes de la Florida se elevaron a sí mismos de una relativa oscuridad y se convirtieron en la banda más candente del metal. Con el segundo álbum Ascendancy – el cual llegó un año después de firmar un acuerdo con el legendario sello Roadrunner – Trivium de algún modo había atrapado un rayo en una botella y creó un sonido que revitalizó el género. Era un monstruo de Frankenstein que marcó el comienzo de nuevas ideas sin alejarse demasiado de la rica herencia del metal.

Pronto estarían en portadas de revistas, en rotación constante a través de las ondas de radio y siendo señalados por sus héroes Metallica como una de las esperanzas más brillantes de la música pesada. 10 años después, los guitarristas Matt Heafy y Corey Beaulieu recuerdan el álbum que cambió sus vidas para siempre, y contemplan el siguiente capítulo de su carrera…

¿Qué recuerdan de componer y grabar Ascendancy?

Corey: “Me uní a la banda justo después de graduarme de la universidad de música. No tenía trabajo y un lugar donde vivir, por lo que estuve viviendo en mi coche por un tiempo, y luego empecé a quedarme en casa de Matt. Él todavía estaba en la preparatoria, así que una vez que terminaba sus estudios nos reuníamos en un almacén y tocábamos durante horas. No teníamos nada más que hacer mas que tocar y componer.

“Así es como surgieron las canciones de Ascendancy – sólo unos tipos que no tenían nada que hacer, sin fans, sin trabajo, ni nada. A finales de ese álbum y al comienzo de The Crusade, ya habíamos tenido nuestra primera portada de Total Guitar. Creo que fue cuando Matt tenía un corte de tazón con el pelo corto y negro…”

Matt: “¡Vamos! Fue un cuestionable estilo swoop, no un corte de tazón. Yo tenía unos 17 años de edad y todavía vivía en casa de mis padres. Simplemente tocábamos lo que queríamos oír como fans del metal. Y todos estos diferentes sonidos comenzaron a mezclarse: death metal, melodeath, metal tradicional, hardcore… Se convirtió en un crisol de influencias que probablemente no deberían ir juntas.”

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¿Tuvieron idea de que estaban haciendo un disco que tendría tal impacto?

Corey: “Yo diría que el 60% de esas cosas fue escrito totalmente como fruto de la casualidad. Rain, Pull Harder On The Strings Of Your Martyr, Like Light To The Flies… esas surgieron de practicar. Recuerdo haber tocado el intro, de repente compusimos el resto, los mezclamos y ¡bum! En un par de horas de practicarla, se terminó. Mirando en retrospectiva, es una locura cómo muchas de estas canciones fueron creadas en una porquería de almacén después de escuchar las palabras ‘¡Toca algo!’”

Matt: “Recuerdo que estaba sentado en mi sofá tocando el riff intro de Pull Harder… y pensando, ‘Tengo que recordar esto.’ Así que me lo llevé a la práctica y [el baterista original] Travis Smith dijo que también había compuesto una parte de batería la misma noche. Así que contamos hasta cuatro y fuimos por eso. Fue tan fácil.

“A Gunshot To The Head Of Trepidation se compuso en un día libre en las afueras de Las Vegas, sentados dentro de un motel asqueroso. Éramos jóvenes y estúpidos, así que obviamente habíamos estado toda la noche parrandeando. Hallé este riff de ametralladora y Travis empezó a tocar su almohadilla de batería.

“Pensamos que todo estaba encajando perfectamente al unísono, probablemente a causa de los largos días y el cansancio. Pero no encajaba, ¡y terminó por convertirse en lo bello de eso!”

¿Fue duro mantener su ética de banda de garage mientras su perfil se disparaba?


Corey:
“Muchos de los músicos hoy en día están tocando en sus habitaciones, haciendo videos en YouTube, usando software como EZ Drummer para hacer grabaciones caseras de buena calidad. Pero la belleza detrás de Ascendancy es que surgió de un grupo de chicos en una habitación, intercambiando ideas entre sí.

“Cuando estás sentado solo delante de una pinche computadora, no tendrás eso. Hemos utilizado este enfoque en todos nuestros discos, excepto en Vengeance Falls, que tuvo un montón de pre-producción y edición. Algunas cosas pueden sonar muy bien en una laptop, pero cuando realmente lo tocas como banda, tal vez no funciona tan bien, hasta el punto en el que se tienen que modificar algunas de esas cosas en vivo para hacerlo sentir diferente o más cómodas.”

Matt: “Tengo que ser capaz de tocarlo y cantarlo. Como cuando James Hetfield compone una parte vocal, él toca primero la guitarra y luego se trata de lo que se ajusta sobre la parte que está tocando. Tomen Walk de Pantera – aunque es una parte de guitarra simple, es muy difícil de tocar y cantar porque esos dos ritmos son opuestos entre sí. En The Crusade y Vengeance Falls, yo realmente no pensé bien en eso.”

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¿Qué es lo que oyes cuando escuchas de nuevo sus primeros discos, sobre todo en comparación con la música que están haciendo ahora?

Corey: “Con cada álbum, puedo escuchar mi propio desarrollo en el tono, vibrato o bending. Ninguna de esas cosas sonaba con enorme confianza en Ascendancy. ¡No puedo adivinar cuántas horas de tocar he acumulado desde que lo hicimos! Yo no busco tecnicismo, se trata más de la emoción cuando se toca.

“En nuestro cuarto álbum Shogun, yo era mucho más shreddy, pero el nuevo disco Silence In The Snow tiene más precisión. Estoy pensando más acerca de las opciones de notas y el fraseo. Siempre me han gustado los solos que se pueden cantar, así que mientras ir por 8,000 escalas y arpeggios puede ser divertido, no va a traer mucha emoción de la gente.

“Si uno escucha a Slash, George Lynch o Marty Friedman, hay tecnicismo, pero lo más importante: hay creatividad y suena pegadizo. Y es lo mismo con la voz de Matt: en Ascendancy sonaba como un joven de 18 años de edad… ¡pero ahora suena como una bestia!”

Matt: “Incluso cuando era un adolescente, yo ya estaba muy regimentado con mi práctica, sigo siendo el mismo hoy. Me he estado metiendo en el Jiu Jitsu en los últimos años, y eso me ha recordado lo que se siente poner un trabajo duro en algo.

“Entré en la cosa más difícil que he hecho. El primer día que enfrenté a alguien, fue un chico de 120 libras y pensé: ‘¡Lo tengo en la bolsa!’ ¡Y él me estranguló en 30 segundos! Eso realmente me humilló.

“Así que he reintegrado esa misma idea con la música. Estoy tomando clases de nuevo con un tipo clásico que me enseña a leer y ver si hay agujeros en mi forma de tocar la guitarra. Estoy tomando clases de canto, clases de cocina, clases de yoga… Las Artes Marciales me recordaron lo que se siente llegar a ser bueno en las cosas, y he aplicado eso en todas partes en mi vida.”

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Notamos que las siete cuerdas están de vuelta…

Matt: “Todo se remonta al tema que da título al disco, que de hecho fue escrito en el 2007 alrededor de las sesiones de Shogun. Se suponía que iba a estar en el disco, pero no encajaba estilísticamente. Es una canción muy sencilla, y la simplicidad da un poco de miedo – muestra los defectos en tu manera de tocar si no estás a la altura. Entonces el año pasado empezamos a componer este séptimo álbum y decidimos traer a Silence… de regreso.

“Debido a que fue compuesta en una [guitarra] de siete cuerdas, nos llevó a usarlas de nuevo. Me inspiré en [la leyenda del metal noruego] Ihsahn, que utiliza mucho una afinada en siete cuerdas. No sé si alguna vez toquemos ocho cuerdas, pero me encanta la forma en que Ihsahn las utiliza, ¡porque él realmente usa todas las cuerdas!”

Corey: “Los dos últimos álbumes han sido estrictamente en Drop D. Ya que no habíamos utilizado siete cuerdas por un tiempo, se sentía muy divertido y estimulante trabajar con los tonos más oscuros sonoros que el instrumento puede ofrecer. Obviamente uno no quiere utilizar esa baja B todo el tiempo, pero es divertido saltar a ese registro sonoro para un sonido más grueso.

“Hay un par de canciones en Drop D también. Moviéndose de una a otra, realmente permite que cada canción tenga su propia vibra. A mitad del disco, no se siente como que se haya escuchado la misma canción en seis canciones. Las cosas se vuelven aburridas cuando todo está en la misma nota...”

¿Cuál otro equipo acabaste usando?

Corey: “Mantuvimos las cosas simples. Nosotros no nos volvemos demasiado locos con los pedales cuando se trata de grabar. Los principales tonos rítmicos son de una EVH 5150III, para todas las melodías que no van en los solos utilizo mi Kemper, que tiene un parche lead que me gusta mucho.

“Todos los solos se hicieron en un KSR Colossus. Eso aseguró que todo tuviera su propio sonido único. Usamos un sitar para el intro de Breathe In The Flames, que surgió por estar bromeando una noche. Había uno por ahí en el estudio, ¡y terminó sonando muy cool, como Wherever I May Roam de Metallica!”

Matt: “La guitarra para todos mis ritmos fue mi Epiphone signature. Probé todo lo demás y nada sonaba mejor, así que definitivamente voy a estar haciendo eso de nuevo la próxima vez. Gran parte de la razón por la cual este disco suena tan bien es porque es bastante minimalista, no hay mucho sucediendo y hay sorprendentemente poca ganancia.

“Muchos guitarristas de metal meterán bastante, pero me parece que las cosas suenan más pesadas con menos. Y para ser honesto, mientras menos cosas haya entre mis dedos y lo que el público escuche, mejor.”

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Blind Leading The Blind and The Thing That’s Killing Me muestran algunas de tus voces limpias más fuertes a la fecha, Matt. ¿Cómo has cambiado como cantante?

Matt: “Bueno, hace dos años arruiné mi voz y tuve que volar a casa y cancelar nuestra gira. Nuestros chicos del equipo tuvieron que irse a casa sin recibir un pago, me sentí muy mal. Cuando aterricé recibí un mensaje de M Shadows de Avenged Sevenfold que decía: ‘Lamento oír que arruinaste tu voz, ¿hay algo que pueda hacer para ayudar?’

“Y le pregunté qué hizo cuando le sucedió a él, así que me puso en contacto con su tutor de canto Ron Anderson, quien aprendió del maestro de Freddie Mercury. Él ha ayudado a Axl Rose, Janet Jackson, Chris Cornell… básicamente todos los que son increíbles en el canto.

“Aprendí una técnica de grito que era 100% diferente. Desde hace 15 años había estado haciéndolo de forma incorrecta y dañando mis cuerdas vocales. Tengo mucha suerte que no me arruiné a mí mismo de forma permanente. Ahora tengo la manera segura, que funciona y suena muy bien.

“Yo solía pensar que cantar tendría ser difícil, pero eso no es cierto en absoluto. Durante 15 años, había estado cantando a todo pulmón – casi me desmayaba y me daban dolores de cabeza durante la grabación. Forzaba mi voz y terminaba perdiendo rango, por lo que empezaba a sonar más bajo porque no podía ir tan alto como solía hacerlo. ¡Afortunadamente eso ha cambiado!”

Dead And Gone tiene una sensación casi tech-metal, especialmente el lento bend en el verso

Matt: “¡Eso en realidad fue compuesto por nuestro bajista Paolo, él es el compositor de bends lentos en la banda! Él compuso In Waves y esa fue la canción que cambió nuestro sonido. Fue un momento donde abrazamos la sencillez y grooves extraños, buscando un equilibrio en medio y eso es algo que todavía aspiramos. Así que ese tipo de cosas son siempre de él. ¡Y creo que él es el maestro para eso!

“El vibrato es algo que se pierde en muchos de los músicos técnicos hoy. Los bends son tan importantes… es como cuando hay algunas personas que pueden hacer shred, pero no pueden sostener una nota. Algunos músicos parecen saltar esa parte del proceso.”

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¿Dónde ven a Trivium en 10 años?

Matt: “Hay esa famosa cita de los primeros días cuando nos preguntaron cuáles eran nuestros objetivos y respondí: ‘¡Queremos ser los próximos Metallica!’ Yo no sabía qué más decir… Pero pronto la gente empezó a preguntarse quién diablos eran estos niños que se comparaban a sí mismos con Metallica.

“Pero mirando hacia atrás, nadie debería avergonzarse de sus objetivos en la vida. ¡Todavía queremos ser el tipo de banda que puede cambiar el metal, y tocar en arenas con más pirotecnia que Rammstein!

Corey: “Hemos sido lo suficientemente afortunados para ser titulares de festivales como Bloodstock. Y esos grandes escenarios son donde nos sentimos como en casa, ¡tocar en ellos nos ha puesto más hambrientos! Hemos estado haciendo esto durante 10 años y Silence… se siente como el hito para empezar los próximos 10.

“Estamos en un momento de nuestra carrera donde queremos agarrar por el cuello y patearle el culo a todos. Ser líderes de cartel no es una antorcha fácil que se reciba. Uno se tiene que ganar el respeto, sobrevivir las trampas, y tener un cuerpo de trabajo que sea digno de las multitudes. A uno no se le pasa eso, y nosotros todavía estamos trabajando duro para llegar allí.”

 

Feb 27, 2014
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Source / Fuente: Metal bass head to head: Trivium and Killswitch Engage
Image credits / Créditos de la imagen: Tim Tronckoe Photography


Music Radar entrevistó a Paolo Gregoletto y Mike D'Antonio (Killswitch Engage), pero aquí solamente abordaremos lo que dijo Paolo; si desean leer la entrevista completa (en inglés) den click al enlace de la fuente de este artículo el cual está ubicado en la parte superior.

¿Cómo te convertiste en bajista?

“Todo comenzó cuando tenía unos once años de edad y un par de amigos sólo querían tocar en una banda y tocar covers de bandas que disfrutábamos en ese entonces. Tomé el bajo y disfruté tocándolo y me quedé con él.”

¿Qué bajistas fueron influyentes para ti?

“Tipos como Cliff Burton, Steve Harris y Billy Sheehan me inspiraron a seguir el camino del estilo de tocar con los dedos porque ellos tocaban tan bien con sus dedos y mostraron lo que se podía hacer.”

Teniendo en cuenta que tu banda tiene dos guitarristas, ¿cómo ves tu papel en la banda?

“Lo que ha sido ‘cool’ con Trivium es que creo que todos nos hemos respetado los unos a los otros como músicos y decimos que la parte que uno está tocando siempre debe estar al servicio de la canción. Veo a mi estilo de tocar el bajo como un montón de músicos a los que he admirado, como Steve Harris y Cliff Burton, quienes realmente dejaron una huella en la música que hicieron. Eso es lo que trato de emular. No sólo es la parte de bajo sirviendo a la canción, sino también asegurarme de que mi parte de bajo no sólo siga a las guitarras, sino que añada un poco de estilo a la música.”

¿Cuáles son los elementos clave de tu tono de bajo?

“Utilizo un perfil de Kemper en vivo y en mi sonido principal uso un perfil de un SVT450. Es una especie de cabina clásica y realmente no pongo demasiada presión en él, sólo lo suficiente para que pueda penetrar en el bajo y tenga ese gruñido. También tengo un canal líder que uso con un perfil de una cabina Peavey. Es bastante loco tener todas estas opciones de tonos, pero realmente hace una gran diferencia y siempre estoy tratando de mejorar en esas cosas sutiles.
El Kemper va dirigido directamente y he hecho eso durante un par de años. No puedo recordar la última vez que tuve un cabezal en el escenario. Es un escenario muy, muy muerto – todo lo que se oye es la batería y todos estamos con los monitores inalámbricos. Esto hace la mezcla realmente increíble.”

¿Puedes contarnos acerca de tus bajos ‘signature’?

"Empecé a tocar BC Rich Warlock en vivo en el 2006. Vi uno en NAMM que me encantó y pregunté si me podían hacer uno de cinco cuerdas y lo hicieron. Lo he actualizado desde entonces: Actualicé el cabezal y el acabado de madera natural, y también me hicieron uno negro. Es el bajo más cómodo para el escenario en términos de la distribución del peso, y se ve impresionante.”

Tu banda tienen su sección de ritmo muy precisa. ¿Qué consejo puedes dar a los músicos para que puedan estar en sintonía con el baterista?

“Creo que uno puede aprender a tocar con cualquier baterista, pero encontrar a la persona adecuada que complemente lo que tocas es muy importante. He conocido a Nick [Augusto] desde que estábamos juntos en pre-escolar. Empezamos nuestra primera banda juntos hace mucho tiempo y así fue como comenzó esa conexión. Cuando has tocado con alguien durante tanto tiempo simplemente funciona. Después de tantos años uno llega a conocer sus tendencias y se sabe adónde va a ir después. Eso te ayuda a juzgar lo que se debe tocar.”

¿Quién te inspira hoy en el mundo bajo?

“Cuando yo era muy joven tuve la suerte de ver a una clínica de Billy Sheehan. Ese fue un momento que me cambió la vida. Hasta el día de hoy él es a quien acudo cuando se trata de virtuosismo. Él me inspira a seguir practicando.”

Nov 28, 2013
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Source: Trivium's MusicRadar metal masterclass

1 Masterclass de metal de MusicRadar con Trivium
La clase está en sesión, fieles en el altar del rock

Es justo decir que Matt Heafy y Corey Beaulieu son perfeccionistas.

Matt tenía sólo 17 años cuando Trivium lanzó su álbum debut, Ember To Inferno, en 2003, y a lo largo de la década siguiente, él y el co-guitarrista Corey han experimentado continuamente, estimulado, tocado y analizado su equipo, sus composiciones y – más que nada – su forma de tocar la guitarra.

Todavía veinteañeros, los guitarristas ya han aprendido lecciones que valen una vida entera sobre las cosas que mencionamos previamente. Con su sexto álbum, Vengeance Falls (producido por David Draiman de Disturbed), actualmente izando la bandera del metal moderno, pensamos que era hora de que los mejores estudiantes de metal se convirtieran en los maestros.

MusicRadar pidió al dúo sus lecciones más importantes y se educaron en todo, desde escribir solos perfectos, a avances en el modelado de la amplificación y las dificultades de la presión…

2 Ten listo tu plan

No estamos diciendo que necesitan planificar lo que toquen antes de tocar, pero en Ascendancy de 2005 Trivium pudo reconocer lo que era único en su sonido y perfeccionarlo.

MATT: “La canción Like Light To The Flies creó varios de los planos de nuestra banda. Durante el coro hay acordes de guitarra semi-interesantes, luego hay una melodía de guitarra por encima de eso, y las voces están haciendo algo separado. Eso era algo que se ve mucho.”

COREY: “Fue la primera canción que escribimos juntos y fue lo que nos llevó a firmar contrato discográfico con Roadrunner. Esa fue una de las primeras canciones que escribimos donde tratamos de incorporar las dos ideas de melodías y acordes uno encima de otro.”

MATT: “Incluso en Shogun, los coros tienen una melodía de guitarra, una melodía vocal, una parte de guitarra rítmica y otras cosas sucediendo encima.”

3 Ritmo = Fundación 

Para Trivium, trabajar con el productor David Draiman ayudó a traer a casa la importancia del groove en Vengeance Falls, pero cualquier músico líder que se precie respeta la importancia de perfeccionar esos ritmos.

MATT: “Yo siempre digo que tocar rítmico es igual, si no más importante que tocar lead (líder), porque la guitarra lead sólo sale por ratos… Cuando era niño, aislaba partes de canciones que sentía que eran ejercicios que podría utilizar.

"Por ejemplo, down-picking – el riff del intro de Blackened [Metallica] es uno bueno para eso. Me sentaba allí y lo serpenteaba y desglosaba, y dominaba la canción con un metrónomo.”

4 Los Solos deben servir a la canción

Está muy bien ir rápido – pero como señala Corey, se necesita pasar tiempo conociendo una canción antes de añadirle cosas y mejorarla.

COREY: “Escucha lo que estás tocando una y otra vez – lo que son los acordes, la tonalidad de la misma – y piensa qué tipo de sonido va a encajar. Tienes que conocer el riff bastante bien como para tocar notas que complementan lo que estás tocando.

"Algunos solos, como Forsake Not The Dream de In Waves – son una progresión de acordes simples, pero si desglosamos cada sección del solo se toca en el acorde en el que uno toca. Sigue la base de ese acorde y todo cae en una tercera o una quinta o una nota fundamental.”

5 No tengas miedo de cagarla

Una de las cosas que retiene a una gran cantidad de músicos es el miedo al fracaso. Es más fácil seguir con lo que ya sabes, pero si no lo intentas, no vas a aprender.

COREY: “Cuando estés aprendiendo qué notas funcionan para los solos, no tengas miedo de cagarla, porque así es como se aprende lo que funciona y lo que no. Se trata de hacerlo natural, para que uno pueda sentirlo. Entrena con un compañero tocando patrones de acordes simples. Con el tiempo, desarrollarás la capacidad de tocar de esa manera sin pensar en ello, incluso tocando rápido.”

MATT: “Solía encontrar música instrumental y trataba de hacer solos encima de ella. Es como tratar de escribir una parte vocal sobre una cosa preexistente – que es la forma en la que pienso de los solos.”

6 Abrace a su estilo

Con los años, Matt y Corey han cruzado con frecuencia en el territorio del otro, pero ahora tienen una mejor idea de su propia personalidad como músicos.

MATT: ”Para mí, creo que el estilo que mejor hago es el melódico – no muy basado en el shred. ¡Solos de papá! Ese es el término que se me ocurrió. Un ‘solo de papá’ es algo que se puede esperar de Peter Frampton, o de la escuela de Jimmy Page.”

COREY: “Me gusta pensar que soy el ‘shred del buen gusto’ (Tasteful Shred). En el nuevo disco, [la canción] Through Blood And Dirt And Bone tiene algunas cosas muy rápidas que son bastante técnicas y precisas, pero luego se rompe con guitarras armónicas y melodías.” MATT: “Ese es un buen nombre de proyecto en solitario: ‘¡Corey Beaulieu presenta Tasteful Shred!’”

7 Crear para inspirar 

El ambicioso Shogun de 2008 mostró un importante paso adelante en la composición de Matt y la canción de 11 minutos que da título al álbum aún ocupa un lugar especial en el catálogo del vocalista.

MATT: “Para mí, Shogun es mi mayor logro [como compositor]. Me encanta cuando puedo escuchar un disco y me imagino una película en mi cabeza, y siento que Shogun es una canción que puede representar eso para un oyente.

"El mayor elogio que recibo de alguien que es fan de nuestra banda es cuando están inspirados para crear, ya sea recogiendo un instrumento, iniciando una banda, pintando un cuadro o diciéndome lo que significan las canciones para ellos. Quiero que nuestra creatividad inspire la creatividad de otros.”

8 No tengas miedo de simplificar

Por toda la complejidad de Shogun, fue el groove minimalista de In Waves de 2011 que demostró la mayor progresión de la banda y, tras la duda inicial de los fans, su mayor reivindicación.

MATT: “En Shogun, tuvimos muchas ideas y partes por canción – pero en In Waves realmente fue más sobre la canción y no la técnica. In Waves es una canción muy mínima. Cuando esa canción salió, los guitarristas nos decían, ‘Err, ¿por qué no están haciendo shreds?’”

COREY: “Todo el mundo nos decía, ‘¡Es muy simple!’ Entonces ellos hacían covers de guitarra ¡y aún así no estaban tocando el riff de manera correcta! Y yo les decía, ‘Están quejándose de que es demasiado sencillo, pero ¿cómo es que nadie la está tocando bien?’”

MATT: “Lo bueno de In Waves es que alguien le podría cantar un riff de la canción y sabe qué canción es.”

9 Conozca su tipo

Hay un adagio que dice ‘ir hasta el final en todo el mundo, sólo para darte cuenta que lo que estabas buscando estaba en la puerta’ – y de acuerdo con Trivium, lo mismo podría decirse del tono.

COREY: “Cuando recién empezamos estábamos usando los Peavey 5150. Después pasamos por todo tipo de cosas y, finalmente, cuando nada parecía ser como, ‘Ese es el sonido’, volvimos a tocar Peaveys.

"Ahora sabemos qué amplificadores hacen nuestro sonido. In Waves y Shogun estuvieron basados en un 5150 y Ascendancy tuvo un Mesa y un 5150, por lo que para Vengeance Falls sabíamos que, ‘Íbamos a necesitar un amplificador 5150 original block-lettered y un Maxon overdrive en un Mesa 4x12.”

MATT: “Con los altavoces Vintage 30. Ese es siempre el punto de partida.”

COREY: “Todas las bandas que escuchamos al ir creciendo, dirían, ‘¿Qué usaron en este álbum?’ Y todos dirían, ‘5150.’ ‘5150.’ ‘5150.’”

10 No temas a la tecnología

Incluso los métodos más probados y comprobados pueden ser arrancados de raíz por la nueva tecnología. Caso en cuestión: el modelado de válvulas amplificador se está poniendo aterradoramente bueno.

MATT: “Sorprendentemente, este disco fue grabado con un Kemper Profiling Amp conectado directamente a Pro Tools, así que no hay micrófono, no hay cabina y el tono de Vengeance Falls es simplemente el Kemper…

"Es un perfil de un tono de Andy Sneap de su amplificador 5150 que Colin Richardson mezcló – y yo los considero los mejores tipos en el metal para los tonos.”

COREY: “Así que, si algún elitista de los tube-head se queja de nuestro disco, ¡pueden metérselo por el culo!”

MATT: “Para nosotros, si funciona en un disco y funciona en un festival de 90,000 personas y la gente se está volviendo loca – ¡entonces funciona!”

11 Seis Educación

Seis álbumes, seis lecciones aprendidas

I. Ember To Inferno (2003)

MATT: “Err, ¡grabar con un click es una buena idea!”

COREY: “¡Yo no aprendí nada porque yo no estuve en él!”

II. Ascendancy (2005)

MATT: “Aprendí que cuando y si tu banda crea un estilo por sí misma que es icónico y reconocible, quizás, a veces, ¡no es la mejor idea cambiar eso!”

III. The Crusade (2006)

COREY: “Con ese disco, fue pararse de pie por uno mismo. Nos apresuramos para ir al estudio, pero [después de eso] aprendimos a poner nuestro pie en el suelo y hacer lo que necesitamos hacer.”

MATT: “Mi lección es que todas las bandas tienen que hacer voces la en pre-producción – ¡Yo no sabía lo que estaba haciendo hasta el día en que empezamos a grabar las voces!”

IV. Shogun (2008)

MATT: “No importa qué tan caro es el estudio en el que grabes, podría ser exactamente lo mismo que grabar en un estudio de laptop.”

V. In Waves (2011)

COREY: “Shogun tuvo algunos momentos de grabación en el que nos agotamos, mientras que In Waves fue como, ‘¡Uno puede hacer un disco y divertirse todo el tiempo!”

VI. Vengeance Falls (2013)

COREY: “He aprendido que podemos hacer un disco que suene increíble en un periodo muy corto de tiempo. Uno no necesita tres meses para grabar un disco.”

Oct 24, 2013
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Source: MusicRadar: Trivium's Paolo Gregoletto talks “Vengeance Falls”

 

Cuando Avenged Sevenfold llegó a la cima de las listas de popularidad mundiales con su álbum más reciente, lo hizo al agregar fuertes cucharadas de rock clásico a su sonido inicial con bordes en el hard rock.

Muchos esperaban que Trivium, ahora en su sexto álbum de estudio, hiciera lo mismo. Pero el cuarteto de la Florida no lo está haciendo así. “Vengeance Falls” es una dosis brutal de thrash metal del siglo 21, un ejemplo impresionante de cómo puede evolucionar naturalmente el sonido de una banda.

Hablamos con el bajista Paolo Gregoletto sobre la grabación del disco, trabajar con el productor David Draiman y cómo Trivium ha alcanzado un gran nivel mientras se mantiene fiel a sus raíces crudas…


La Composición y David Draiman

“Comenzamos a componer más o menos cuando ‘In Waves’ [2011] salió. Estábamos de gira y siempre había guitarras regadas por doquier. Así que compusimos riffs y comenzamos a hacer demos.”

“Estuvimos componiendo y trabajando juntos durante más de un año antes de comenzar a trabajar con [el productor/líder de Disturbed] David Draiman, así que tuvimos una buena ventaja inicial.”

“Primero hablamos sobre trabajar con David en el Mayhem donde estuvimos con Disturbed [2011]. Le dimos a David una copia de ‘In Waves’. Unos días después él regresó y estaba impresionado por el disco. Él dijo que iba a tener algo de tiempo en el 2013 y que le encantaría trabajar con nosotros.”

“Nos encontramos con él un par de veces en la gira, y cada vez que nos encontrábamos con él parecía como que fuera la idea correcta. Lo que él dijo que podría hacer con Trivium en nuestro próximo disco simplemente tuvo sentido.”

Pre-producción y Vibra

“Una gran cosa que David nos hizo hacer fue llegar a la pre-producción y no haber ensayado demasiado. Esa siempre ha sido nuestra cuestión: los ensayos son inmensos.”

“Él dijo que nosotros podríamos conocer las partes pero que deberíamos estar abiertos a la posibilidad de que cambiaran. Cuando hicimos la pre-producción creo que teníamos 14 canciones, y él realmente se metió en cada aspecto de la canción.”

“Usualmente en la pre-producción trabajábamos mucho en la música, y las voces se escribían o se trabajaban en el estudio. Esta vez las voces fueron trabajadas desde el día uno. Matt [Heafy] y David trabajaban en las melodías y cadencias, así que cuando llegamos a grabar ya sabíamos cómo iban a sonar las voces.”

“Quería que tuviera la vibra que se logra cuando uno toca en vivo y estás en el momento y simplemente vibras por el show y la audiencia. En el estudio fue muy relajador y no nos enfocamos en ensayar, ensayar, ensayar.”

“Se trató sobre la música y la emoción de ver cómo va tomando forma una canción. Fue bueno que se me ocurrieron líneas de bajo inmediatamente y las probé.”

Perfeccionando los temas

“Preparamos un área en la casa de David con un kit de batería electrónica y un pequeño PA. David estuvo ahí, nuestro ingeniero estuvo ahí y nosotros simplemente tocamos las canciones.”

“Diría que a este punto 80% de los riffs e ideas estuvieron listos. En la pre-producción David realmente se enfocó en Nick [Augusto, batería] y las voces. Pero luego en cosas como ‘Brave This Storm’ y ‘To Believe’, en las versiones originales era el mismo riff a través del verso, pero David sugirió que lo cambiáramos de vez en cuando.

“Eso fue algo que nunca habíamos hecho – donde un riff se expande, y luego hay muchísimo detalle en la parte de un verso. Él trató de empujarnos adonde sintió que estábamos repite y repite. Él nos sacó de nuestras zonas de confort.”

“Él nos dijo que éramos grandes músicos y que no necesitábamos establecernos en algo y sólo repetirlo y repetirlo porque es fácil; que deberíamos poner capas en la canción, no sólo duplicar las cosas por el hecho de hacerlas. Se necesita dinámica. Él hizo eso con las voces también. Es algo que nunca antes hemos hecho.”

Batería y Bajo

“Yo toqué con Nick hace tiempo. Obviamente es diferente ahora. Él ha mejorado su manera de tocar en vivo – él es un baterista sólido.”

“Él hace cosas realmente intrincadas con sus pedales, así que es realmente bueno poder encajar y seguir eso. Creo que en general eso nos ha cambiado y nos interesa ser una unidad más consistente y en encajar porque Nick va por encima de todo eso.”

Usando Perfiles [Profiling] y Manteniéndolos Crudos

“Cuando hicimos la mezcla fuimos al Reino Unido durante dos semanas con Colin Richardson y Carl Bown. Cuando ellos re-amplificaron las cosas ellos estaban usando Kemper [Profiling Amps]. Nunca antes había visto uno.”

“Carl dijo, ‘Muy bien, vamos a re-amplificar esta canción.’ ¡Yo estaba buscando la cabina y el cabezal! Él explicó cómo funciona el Kemper – es una cosa muy loca. Cuando él logró esos tonos yo pensé que era una locura. Así fue como nos enganchamos con esos amplificadores y ahora los estamos usando en vivo.”

“Esa fue una parte muy grande que me convenció de trabajar con David. Él nos sentó y nos dijo que sabía que nosotros hemos estado construyendo esto por años y que no podíamos sacrificar lo que somos y lo que son nuestras raíces. Él quería construir a partir de ahí y llevarlo al siguiente nivel. Eso me hizo sentir cómodo al trabajar con David. Él no quería hacer algo que no fuera nosotros.”

“La melodía siempre ha sido una gran parte de esta banda y nosotros realmente queríamos empujar eso. Queríamos que fuera poderosa y tuviera la agresión que la respaldara cuando necesitara el siguiente nivel. Como fan del metal melódico y extremo yo estaba tan feliz de poder mantener eso.”