Trivium Mexico

Ene 20, 2017
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Source: Interview: Trivium’s Matt Heafy calls last three drummers “session players,”
talks black metal influence in band

Metal Insider tuvo la oportunidad de hablar con Matt Heafy recientemente, mientras Trivium se prepara para una gira europea la cual arranca a principios de febrero – la última gira en vivo de la banda en apoyo a su álbum lanzado en el 2015, Silence in the Snow. Heafy explicó cómo y el por qué detrás del paquete de Ab Initio, así como algunos pensamientos sobre la historia de la banda, su visión sobre ir de gira, incluyendo la admiración mutua entre Trivium y Sabaton, e incluso da una declaración brutalmente honesta sobre el controversial tema que ha sido la posición de baterista de Trivium. No cabe duda que Heafy es el tipo que está al timón de esta nave, y él sabe exactamente donde tiene que ir. 

Al verlos el pasado otoño con Sabaton aquí en los Estados Unidos, me impresionó que lo que parecía ser un extraño emparejamiento en papel, realmente resultó ser un paquete increíble. Las bandas se complementaron mutuamente. ¿Cuáles fueron tus pensamientos sobre esta más reciente gira en Estados Unidos? 

Fue increíble, y fue como una historia que estaba contando desde el escenario cada día. Tan pronto como "Silence in the Snow", la canción, fue lanzada, empezamos a notar playeras de Sabaton en nuestra multitud por todas partes. Ya estábamos conscientes de esa banda y éramos fans de esa banda. Habiendo tocado mucho en los festivales europeos fue como nos convertimos en fans de la banda. Empezamos a ver que tal vez los fans de Sabaton ahora ya comprendían a Trivium, a través de "Silence in the Snow", teniendo más de una conexión directa con los fans de Sabaton, o bandas como Maiden, Dio, Priest y Sabbath. 

Una vez que vimos ese interés en los fans, fue fácil que nuestros managers contactaran a sus managers – la banda también expresó interés. Pudimos conocernos en un festival y hablar sobre la idea. A la banda le encantó la idea de ir de gira con nosotros, y a nosotros nos encantó la idea de ir de gira con ellos. 

Creo que cuando lo anunciamos por primera vez, la gente estaba un poco sorprendida. No creo que seamos tan diferentes. Lo bueno de una banda como Trivium es que podemos salir y hacer una gira con una banda como Sabaton, y cuando hicimos el ciclo de In Waves, fuimos de gira con Dream Theater, Asking Alexandria, Five Finger Death Punch e In Flames – todo en ese mismo ciclo del disco. 

Todo funcionó. No sé qué hay en nuestra banda que nos hace capaces de saltar entre sub-géneros e ir de gira con diferentes bandas, y [tocar en] todos los diferentes tipos de festivales, pero todo parece funcionar. 

¿Has visto más aceptación entre diferentes tipos de fans de la música pesada mientras ha progresado tu carrera? 

Nosotros promovemos la aceptación, que la gente escuche diferentes géneros de bandas, y soy capaz de venir de ambos lados de esto. Cuando tenía 15-16 años, era cuando estaba en mi etapa de “elitista” del metal. Realmente sólo escuchaba black metal, y no escuchaba bandas que eran populares. Básicamente, yo era el tipo de chico al que no le gustaría Trivium. También he visto el otro lado de eso, donde vamos a tocar en festivales como Wacken o Bloodstock, estos festivales de metal más tradicionales, y ahí es donde las cosas comienzan a cruzar. Tendrás una banda de black metal tocando en el escenario, tendrás una banda de hardcore tocando en otro escenario, y los fans podrán cruzar y ver diferentes bandas, y darse cuenta de que son esencialmente lo mismo. 

Creo que es importante saber lo que te gusta y no te gusta, pero es igualmente importante escuchar todo de antemano, y potencialmente ver lo que te gusta de él. Hoy en día tengo completamente la mente abierta, y voy a checar  absolutamente todo - si no es para mí, entonces no es para mí. Si es del mundo del metal, creo que es sin duda responsabilidad de la banda de ayudar a las cosas. Creo que las bandas más grandes de metal del mundo tienen la responsabilidad de ayudar a su género dando a conocer a esas otras bandas. Verás que una banda más pesada se hace un poco más grande, y llevarán las mismas bandas genéricas de rock que todos los demás sacan. Sabíamos que Sabaton tenían una gran base de fans dedicados, pero también sabíamos que muchos de nuestros nuevos fans de Trivium no sabrían quiénes eran ellos. Como por ejemplo, “Until The World Goes Cold” atrajo a fans del rock más tradicional a Trivium, mientras “Silence In The Snow” atrajo a fans más tradicionales del metal a la banda. Es genial poder hacer eso. No siempre se puede planificar, pero es bueno ver cuando hay esa entremezcla de estilos.  

Pasando al nuevo lanzamiento de Ember to  Inferno: Ab Initio, esto es realmente una mina de oro para el súper fanático. Es realmente una gran representación de donde Trivium vino, en cuanto a la evolución de la banda. El paquete  es grandioso también – el vinilo es hermoso. ¿Por qué ahora era el momento adecuado para sacar esto? 

Bien, volviendo a hace  un par de años, siempre dije que "Ember" regresaría. Cuando salió por primera vez, sentí que tenía una maldición. La distribución fue tal que en la fecha de lanzamiento, no pude encontrar el disco en mi estado de origen. Eso fue bastante deprimente – darse cuenta de que estabas firmado [a una disquera] y no poder encontrar tu disco en ningún lugar. Cuando arreglaron la distribución un año después, fue cuando "Ascendancy" salió y "Ascendancy" realmente eclipsó a "Ember to Inferno", por lo que "Ember" nunca tuvo su justo lanzamiento. Cuando recuperé [los derechos de] el disco, dije que quería volver a lanzarlo y averiguar la plataforma correcta. Había ideas en mi cabeza, como potencialmente otra disquera, y entonces mis managers me dijeron que eso tomaría tiempo, pero que yo debería actuar como el sello [discográfico] para "Ember", y tener un trato de  distribución con una compañía. Me tomó dos años, pero pude sacar el disco a través de una compañía llamada Cooking Vinyl, y fue agradable ser yo mismo el sello. Cooking Vinyl hizo todo el trabajo duro, respecto a hacer la promo e imprimir todo, y llevar la distribución a formatos de streaming.

Sabía que quería hacer el álbum de dos maneras. Una forma era liberar "Ember" exactamente como era – con el arte original, todo original, completamente sin cambios. También quería empacar lo mejor de lo mejor – desde el principio de Trivium, hasta los momentos en que la gente nos conoció con "Ascendancy". Eso es lo que "Ab Initio" quiere decir -–  "Ab Initio" en latín es “desde el principio.”

He mencionado esta colección de música saliendo en vinilo – ¿cómo te sientes sobre de este “regreso del vinilo”?

Creo que es genial que el vinilo esté regresando. Es realmente genial la forma en que la música está ahora; acabo de ver un documental sobre cómo han evolucionado los medios en los que escuchamos música. Ha ido de una forma muy primitiva de vinilo, que creo que era como de cuatro minutos y medio de cada lado, y sigue subiendo. Pasó a vinilo, luego pasó a un sonido más conveniente pero de menos calidad con la cinta. Hoy en día, donde está es básicamente vinilo o streaming – creo que es lo mejor de ambos mundos. Con streaming, es el medio más conveniente, más amigable para viajar – sería imposible viajar sin esto. Cosas como Spotify y el vinilo – esas son las dos principales fuentes de cómo escucho música. La mejor calidad de audio es en vinilo, y el streaming es tan bueno como el CD o incluso el vinilo, con el sistema adecuado. Por lo tanto, es bueno tener esa dualidad de clásico y contemporáneo.

Mencionaste el empaque – esa es una cosa muy importarte para mí. Siento que con Trivium, siempre estábamos asegurándonos que las cuestiones visuales fueran geniales. Incluso con "Ember to Inferno", pensé que el arte era bueno; "Ascendancy" fue genial. Hubo cosas que descubrimos a lo largo de los años, como con "In Waves" fue donde descubrimos nuestro estilo de foto, nuestro estilo de video musical, nuestro estilo de escenario, el resto de las cosas que aún no habíamos descubierto. Con "Ab Initio", sabía que tenía que ser genial, era lo que me gustaría ver como fan y lo que podría ser diferente. Desafortunadamente, la única persona que no tiene crédito en este disco, es la persona que hizo todo el paquete – esa es mi esposa, Ashley, que es diseñadora gráfica. Lo que hicimos fue crear un nuevo logotipo de Trivium - el de Christophe Szpajdel, que hizo el logotipo de Emperor y un montón de otras bandas de black metal. Le pedimos que hiciera un logo de Trivium. La fotografía en el fondo es de Jonpaul Douglass – que hizo todo el paquete de "In Waves" y el de "Silence In The Snow". Es una modernización de lo que fue "Ember to Inferno". Cuando Ashley me mostró el logotipo de black metal con una especie de color de arco iris con el blanco detrás de él, le dije: “Nunca había visto un logotipo de black metal así.” Así, siguió todo este tema de yuxtaposición - Trivium siempre ha hecho las cosas que eran inesperadas, y sentía que eso era la encarnación de todo con el logotipo y el empaquetado.

Con el salto a Roadrunner para Ascendancy, y una audiencia mucho más grande, ¿qué pasaba por tu cabeza en ese tiempo? ¿Estabas empezando a ver la banda y la música de una manera diferente, o estabas en la zona de lo que querías que Trivium fuera, musicalmente?

Tuvimos los mismos objetivos desde que teníamos 12 años – ser el tipo de banda de metal que podría tocar frente a un sinnúmero de personas en todo el mundo, en todas partes. Tanto con "Ember" como con "Ascendancy", aún no teníamos fans. Simplemente hicimos el tipo de música que queríamos escuchar. No sé si estábamos haciendo el tipo de música que pensábamos que faltaba, pero sólo estábamos tratando de crear algo que no habíamos oído antes que nos gustaría, como fans de metal y fans de la música. Siento que en todos los tiempos difíciles, cuando entramos e hicimos algo grande – fuimos con esa actitud. Lo que realmente es genial para mí, es ser capaz de escuchar todo en "Ab Initio", y tener que regresar de nuevo a estos primeros discos, puedo ver que sólo hemos crecido y evolucionado en la banda que somos. Como en el álbum rojo, amarillo y el azul, no sonamos como una banda completamente diferente. Sí, el rojo suena como más el de una banda de thrash, pero tiene elementos de Trivium que podría esperar más adelante – el modelo siempre ha estado allí.

Nunca fuimos como una banda de ska primero, o algo así. Siempre fuimos una banda de metal primero, que gustaba de probar cosas diferentes. Las influencias en el disco rojo fueron como Metallica, Pantera, Testament, Slayer. En el disco azul estábamos fuertemente en el death metal, y un poco de metalcore. "Ember" fue como Heaven Shall Burn, Converge, más bandas de metalcore que se suman a esa influencia con death metal y metal tradicional. "Ascendancy" es donde pudimos traer más influencias. Mirando hacia atrás en "Ember", solía pensar que era "Ascendancy Junior", pero realmente no lo es. Es un álbum muy diferente, y ahora tenemos siete discos que son bastante diferentes el uno del otro, lo cual es una celebración genial.

He sabido sobre tus serias influencias de black metal por un tiempo, así que me preguntaba si había alguna vez un deseo consciente de inclinarse más en esa dirección con Trivium, en lugar del sonido más accesible que la banda ha tenido a lo largo de los años.

Hemos jugado con la idea, y es por eso que cada disco ha sido tan diferente a los anteriores; hemos intentado hacer cosas diferentes. Ese [estilo] es probablemente el único, en lo que respecta al audio, el menos prominente en nuestra música. Está ahí – está salpicado muy, muy sutilmente, como en "To Burn The Eye" hay un estilo de acorde menor de black metal justo antes del breakdown, que es algo... nunca escucharías acordes de black metal como ese. Es genial mezclar ese estilo en él. Se remonta a tu pregunta sobre la diversidad en cuanto a bandas de metal. "A Skyline's Severance" fue escrita con acordes de black metal en mente, y hay un segundo de él en "Entrance of the Conflagration", pero ha sido muy mínimo. Creo que la forma en que el black metal ha sido influyente para mí es más por Ihsahn y Emperor, en cómo cada disco era muy diferente del anterior. "IX Equilibrium" fue muy diferente a "Anthems to the Welken at Dusk". Ambos son diferentes de "Prometheus", y "Nightside" también – dentro del black metal.

Siendo el amante de guitarra que soy, me encanta verte a ti y a Corey (Beaulieu, guitarrista principal) intercambiando entre sí en vivo. ¿Alguna vez se han sentado conscientemente y deciden cómo cada uno se encargaría de qué, estilísticamente?

Originalmente, cuando recién se unió, justo antes de "Ember". Fue algo que simplemente encajó. No teníamos un plan establecido, tocamos y las cosas fueron como fueron. A medida que pasaban los años, vimos cuáles eran las tendencias naturales, que eran yo haciendo las cosas más melódicas y Corey las cosas más shreddy. Creo que fue alrededor de "Shogun", o tal vez "In Waves" – aunque en "Shogun" todavía hice más de las cosas shreddy, y todavía salto en eso de vez en cuando, y Corey hace algo de cosas melódicas también, pero nos dimos cuenta de lo que son nuestras fortalezas naturales, y tocamos esas ahora. Creo que fue en "In Waves" donde le dije a Corey que yo iba a ir por este estilo más melódico, y siempre bromeo sobre el estilo de solos de “papá”, ese estilo blues/rock pentatónico de los años 60/70 [ríe]. Corey va más a ese estilo super-shreddy, pero a ambos nos gusta hacer lo que a ambos nos gusta hacer – de eso se ha tratado más.

Tengo que preguntarte sobre el nuevo baterista de Trivium, Alex Bent. Me encantó lo que hizo en el último disco de Battlecross. Ustedes no son ajenos a los cambios cuando se trata de bateristas, así que, ¿qué crees que Alex ofrecerá al sonido de la banda?

Lo que siento que necesitamos aclarar, es que los últimos tres bateristas, todos han sido bateristas de sesión dentro de nuestra banda. La banda ha sido Corey, Paolo (Gregoletto, bajista), y yo desde el principio. En cuanto a los rumores que van sobre quién toca con nosotros ahora, lo que realmente me gustaría decir a la gente, es que la última vez que tuvimos un miembro de la banda oficial que fue baterista, fue Travis (Smith). Aunque absolutamente le deseamos lo mejor, él ya no está con nosotros – y eso se debe a nosotros cuatro.

La química entre los cuatro... no pudimos hacer algo grande entre los cuatro, así que decidimos entre los cuatro que necesitábamos separarnos. Desde entonces, recientemente teniendo a Paul (Wandtke) tocando con nosotros, el futuro estará siempre en manos de la persona en el trono de la batería. Es muy difícil para cualquiera llenar los zapatos de un legado y una época. Sólo el tiempo lo dirá, y siempre hemos estado a merced de lo que el cuarto músico traiga a la mesa.

Es refrescante oír esa honestidad, en lugar de que ustedes simplemente publiquen un comunicado de prensa y retrocedan.

Y, creo que es realmente algo que la gente no sabe – que los tres últimos chicos fueron músicos de sesión. Tal vez esa es culpa de Corey, Paolo, y mía por no decirlo más a menudo, pero eso es lo que fue. No queremos nada más que lo mejor para cualquiera que haya tocado alguna vez con nosotros, pero a veces un músico de sesión es la misma idea que el tipo que se encarga del sonido de la banda – estás trabajando para el mismo objetivo común con ellos, pero esas no son las personas en la banda.

¿Es demasiado pronto para mirar hacia el resto del 2017 para la banda? Sé que ustedes se estarán dirigiendo a Europa para terminar el ciclo de giras para Silence In The Snow.

Nada realmente nuevo en nuestro radar en este momento, es sólo cuestión de auto-práctica. Acabamos de terminar los ensayos de la banda hace un rato, manteniendo todo bien y preciso, y ahora sólo es práctica individual diaria de todas nuestras partes. Mi régimen cuando estamos libres, es de lunes a viernes, registro por lo menos 2-3 horas de canto al día, y 30 minutos de, ni siquiera tocar la guitarra, sino de tratar el instrumento como un atleta. Todas las mañanas de 9:30-10:30 hago mis calentamientos vocales – en la segunda media hora estoy estirando mientras hago los calentamientos vocales. Después, es levantar pesas o yoga, y jiu-jitsu. Cuando termino con todo eso, es puro canto. Una vez que hayamos terminado con la entrevista, volveré al canto completo durante 1-2 horas, repasando canciones aleatorias en nuestro set. Realmente mantengo un régimen, de modo que cuando vuelvo con la banda, es realmente sólido y hermético, que es lo que todos los demás también hacen. No creo que vivan con el tiempo regimentado como yo, pero siempre estamos tocando y practicando para asegurarnos de que todo sea genial.

 

Photo credits: https://www.flickr.com/photos/dagget2/

Mar 09, 2016
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Jeff Straw del sitio Pyramind entrevistó a Matt cuando Trivium se presentó en Sacramento, California. El video podrán verlo al final, y enseguida encontrarán la traducción al español de lo más relevante que trataron en la charla:

Proceso de Composición

“No tenemos una fórmula exacta de cómo lo hacemos, y creo que eso es lo que lo hace grandioso; con cada disco hemos abordado la situación que pasaba. Con los dos primeros discos, debido a que la mayoría del tiempo fui el guitarrista principal yo compuse la mayoría y lo grababa sin laptops ni nada por el estilo. De Ember no recuerdo haber grabado mucho aparte del demo que hizo que Lifeforce Records nos firmara, y ni hicimos pre-producción para ese disco. Con The Crusade cada quien compuso lo suyo, hizo demos y [dijo] así es como se debe tocar, nadie cambió nada. Y ahora no importa quién compone las piezas, y se trata de que la mejor música siempre venga primero. Puede ser de una grabación de voz en un iPhone – que es algo que hago ahora que estamos preparando el disco 8, o como Paolo, que hace los mejores demos y éstos hasta suenan tan bien como algunos de los discos, lo cual es increíble. Él usa mucho una Gibson Explorer 7 que le di y graba con su laptop y suena increíble. Ahora es que cada quien compone algo y luego lo analizamos entre todos como banda y trabajamos en eso si lo necesita, y si no así lo dejamos, y nadie tiene miedo de criticar a los demás. ‘Uno para todos, todos para uno.’”

Cambio de Bateristas

Matt aclara al entrevistador que el trío de cuerdas (él, Corey y Paolo) es el núcleo de la composición en la banda, y añade: “No hemos tenido la oportunidad de hablar mucho sobre la situación del baterista, pero la gente debe recordar que cada cambio no fue por diversión sino por necesidad, y si no hubiésemos hecho esos cambios, la banda se hubiese desintegrado, y eso es algo que los fans deben entender. Deben ver que la banda está progresando y creciendo sin esos previos miembros.”

Proceso de Pre-producción

Matt explica que todos ellos usan Logic para ese proceso, e indica que también usa una MacBook Pro, Apogee Duet, o Apogee ONE si está de gira. “Usé Apogee MiC en casa en esas apariciones [con otras bandas], como ese de ‘Mass Darkness’ con Ihsahh, que hice con el Apogee ONE en el autobús de gira: lo acomodé en mi litera, puse unas almohadas y todo para poder hacerlo. Y es simple. Ahora uso mi Kemper, que va a la Duet y luego a la MacBook. Paolo me parece que hace lo mismo; él es el mejor con Logic y siempre le pregunto cómo hacer las cosas porque yo soy muy malo para leer instrucciones.”

Silence In The Snow

“‘Silence In The Snow’ es la única canción que ha estado rondando desde la época de Shogun y fue totalmente inspirada en una noche en Nagoya, Japón donde Paolo y Corey me dijeron que tenía que ver el show de Dio, porque sabían lo fan de él que soy, de su proyecto en solitario, pero nunca había visto y no sabía nada de Heaven & Hell, y vi todo el set y me voló la cabeza, especialmente la canción ‘Heaven & Hell,’ que fue el catalizador que llevó a componer ‘Silence In The Snow’. Y luego conocimos a Dio y él fue uno de los tipos más humildes que hemos conocido, muy amigable. Fue una experiencia que nos cambio la vida. Y dentro de la siguiente semana comencé a componer ‘Silence In The Snow’ y luego se la presenté a todos y a algunos les gustó – a mi esposa le gustó, al manager le gustó, a mí. Pero los miembros de la banda no le agarraron la onda y no supimos por qué, y ahora sabemos que era porque no estábamos listos para la canción, para algo tan grande, algo que sonara como un himno, y algo tan directo y simple, porque para adoptar la simplicidad uno debe estar cómodo consigo mismo como músico, porque hemos sido técnicos durante nuestra carrera, brutales y pesados aquí y allá, y eso no es que sea algo que no vayamos a ser otra vez, pero sí que se necesita mucha confianza para tener algo de esta magnitud y que dependa mucho de las voces. Y las voces son algo con lo que he peleado toda mi carrera, y ahora siento que finalmente estoy en el camino correcto, y mi meta siempre ha sido ser un cantante como Ronnie James Dio, Freddie Mercury, Bruce Dickinson – sé que nunca lograré eso, pero siempre voy a trabajar para ello.”

Proceso de Composición Vocal

Matt dice que el 99% del proceso es música primero, y recuerda que el coro de la canción ‘Throes Of Perdition’ surgió cuando estaban esperando su equipaje en el aeropuerto de Orlando y él escuchó ese coro en su cabeza, y el coro de ‘Cease All Your Fire’ lo escuchó en un sueño raro al estilo japonés y al despertar lo grabó en su teléfono. También indica que él y Paolo han platicado que para el próximo disco quieren hacer que el “gancho” sea primero, y otra cosa que hacen es no complicar mucho la música en los demos porque eso es algo que han hecho en el pasado, como cuando hicieron In Waves estuvieron cerca de un año preparando demos, que tenían el montón de melodías de música y al final la voz, cosa que sucedió en parte en Silence In The Snow, ya que incluso la voz la planearon cuando era momento de grabar, cosa que él cree que no es la mejor manera de hacer porque la voz es lo primero que escucha en una canción alguien que no es músico.

Diversidad en los Álbumes

Al respecto Heafy dijo: “Lo que me gusta mucho de mi banda es el hecho de que creamos debates y discusiones entre aquellos que gustan de nuestra música y quienes no. Y fuese aburrido si todos los discos sonaran igual – ya hay bandas suficientes que hacen eso y nosotros nunca lo haremos.”

Trabajando con Productores

Matt pone de ejemplo a Jason Suecof, con quien trabajaron en sus primeros tres discos, e indica que para ellos es importante que el productor sepa componer, tocar y cantar y darte ejemplos de lo que habla. “Un productor debe tener las herramientas para presentarte lo que es con exactitud. Nosotros somos el tipo de banda que conoce su sonido, que sabe quién es, que necesita alguien con habilidades, pero donde nosotros trabajamos en medio. Es un esfuerzo colaborativo de ambas partes. Hemos aprendido cosas de cada productor: Jason, Nick [Raskulinecz], Colin [Richardson], “Elvis” [Baskette], y David [Draiman] – éste último de quien aprendí mucho sobre voces en mi carrera. Todos han tenido cosas diferentes, pero nosotros siempre hemos sabido que hay que trabajar con alguien que puede ofrecernos el mundo pero sabemos que no vamos a usar todo eso, sino que nos van a ayudar con las herramientas que tenemos.”

Respecto a eso, el entrevistador pregunta a Matt si todavía co-produce, ya que lo hizo para Ascendancy y Ember To Inferno, a lo que Matt añade que también fue productor completo para el proyecto Roadrunner United, pero que ahora todos ellos en la banda lo hacen y menciona a Paolo: “Él produjo muchas cuestiones vocales en In Waves, e incluso hizo mucho de eso en Silence In The Snow porque estábamos por grabar y él veía las letras y decía que debíamos detenernos para volver a escribirlas. Y eso es lo que me gusta de mis compañeros de banda porque me pueden empujar más allá de mi nivel de comodidad y no tienen miedo de hacerlo.”

Cómo Conocieron a Michael “Elvis” Baskette (Productor de Silence In The Snow)

“Cuando estábamos haciendo In Waves él estaba grabando el nuevo disco de Falling In Reverse en ese mismo estudio llamado Paint It Black, que por cierto ya no existe. Lo conocimos allí y nos dimos cuenta que a todos nos gustaba el metal clásico y mantuvimos el contacto. De hecho cuando tuvimos que re-grabar voces para un par de canciones él fue el ingeniero para ésas – me parece que fueron ‘Built To Fall’ y ‘A Grey So Dark’, o quizá otras. Así que supimos que él era el movimiento indicado para un disco que queríamos que tuviera algo del metal clásico como Iron Maiden, Judas Priest, Dio, Rainbow, Black Sabbath.”

Cosas Que Te Molestan (en el estudio)

Matt declara que la producción tiene que ser una cuestión de ambas partes. La banda no tiene que ir con el ego bien alto ni el productor tiene que creerse la gran mierda por haber hecho eso ya muchas veces, sino que debe verse como un trabajo de equipo para que se haga apropiadamente y no haya negatividad ni drama: “ Sean amigos, sí hay tiempo para divertirse, pero mantengan los egos alejados del estudio.”

Trabajando con Familiares y Amigos

“Nos gusta mantener cerca a nuestros familiares y amigos lo más que podamos.” El vocalista cuenta que su mejor amigo Jonpaul Douglass fue el encargado de realizar muchas de la fotografía, visuales y los documentales para In Waves y Silence In The Snow, e incluso ya están platicando con él para hacer lo mismo para el siguiente disco. También mencionó a su esposa Ashley, quien fue encargada de la tipografía del nuevo disco, hizo el nuevo logo y hasta parte de la mercancía (la playera de manga larga que vendieron en la gira por Estados Unidos es un ejemplo de ello).

Seleccionando el Setlist para el Tour

“Con 7 discos es tan difícil escoger canciones. Afortunadamente en este tour tocamos canciones que de hecho no fueron sencillos, ni lados B, sino temas completamente inesperados y nuestros fans estaban entusiasmados: tocamos ‘Thread The Floods’ de The Crusade e ‘Insurrection’ de Shogun, y acapararon grandes reacciones. Ambas no fueron sencillos ni tuvieron vídeos, ni las tocamos que digamos, e hicieron muy feliz a la gente. [Para crear el setlist] se trata de tocar las canciones que sabemos que debemos tocar, los singles que fueron más grandes, las canciones que suenan mejor en vivo, las que tuvieron vídeos, e ir rotando canciones de adentro afuera que sentimos que debemos tocar.”

Para finalizar la entrevista Matt habló sobre su guitarra signature Matt Heafy Epiphone Les Paul Custom, del hecho que está modelada a partir de la Gibson Les Paul Custom que tenía cuando era niño y que la hicieron lo mejor posible y lo más parecida a la original. También confiesa que para el próximo disco planea grabar usando solamente sus guitarras signature. Para más especificaciones sobre la guitarra visiten este enlace.

 

Feb 01, 2016
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Source: EXCLUSIVE INTERVIEW: MATT HEAFY

01 guitar throne

Tattoo.com tuvo la oportunidad de sentarse con el líder de Trivium, Matt Heafy, para discutir en profundidad la representación cultural que rodea sus tatuajes, los antecedentes históricos de cada pieza, la importancia del tiempo y la colocación, y la correlación entre el tatuaje y la música. Echen un vistazo a lo que el maestro del heavy metal de Orlando, Florida dijo acerca de sus influencias japonesas y su relación con el último álbum de Trivium, "Silence in the Snow." 

02 heafy tattoos 2 Photo by Ashley Heafy

¿Cómo dirías que la industria de la música ha influenciado los tatuajes y el arte corporal? 

Creo que la industria musical sin duda ha hecho los tatuajes algo más aceptable en la cultura popular. Creo que antes de que la música se convirtiera en una "industria", fueron los antiguos japoneses que influyeron en los tatuajes al convertirlos en una forma de arte. Desafortunadamente ahora parece que Japón está retrocediendo a estar en contra de los tatuajes. Pero con el resto del mundo, creo que es gracioso porque todos los estereotipos acerca de los tatuajes como que funcionan. Por ejemplo, si uno ve una persona que pareciera como si estuviera en una banda y que está cubierta de tatuajes, lo más probable es que tal vez sí está en una banda. Creo que es una gran cosa que los tatuajes permitan a las bandas expresarse a sí mismas – y en este sentido, la industria musical no tiene las mismas limitaciones que otras industrias tienen. También creo que la música es otra manera de que las personas puedan expresarse y mostrar quiénes son como personas. 

Fotos de tu trasero desnudo han aparecido en Internet. Cuéntanos un poco acerca de esta pieza trasera en curso, dónde te la hiciste, y la intención detrás de ella. 

Es chistoso, porque cuando recién empecé la pieza de la espalda, estaba a punto de publicar una foto en Internet y le dije a mi esposa: “¿Sabes?… Deberíamos censurar la rayita de la cola.” Fue más que nada para que no la quitaran de Instagram. También pensé en que tenía algunos amigos con niños pequeños cuyos padres querrían mostrarles los tatuajes, pero no necesariamente mostrarles mi trasero. Así que censuramos la rayita y nadie mencionó nada de eso. Y luego, cuando empezamos a tomar nuevas imágenes pensamos, “Bueno, si censuramos esto, entonces va a cubrir una gran parte del arte.” Así que me dije a mí mismo: “Hay un montón de celebridades de Instagram en el mundo que están mostrando sus cuerpos todo el tiempo, excepto que realmente no están mostrando otra cosa más que sus cuerpos. No están mostrando tatuajes o arte, o algo que sea de gran importancia cultural. Sólo están tratando de conseguir seguidores.” 

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Pensé que sería de doble significado con tatuajes y yo bromeando sobre fama en Instagram. Así lo hice, y una gran cantidad de personas – principalmente tipos de 16 a 24 años de edad – no estaban muy felices de ver el trasero de otro tipo en línea. Recuerdo que hubo una persona – la cosa se puso bastante desagradable entre él y otra de las chicas de Instagram que estaban en allí. Creo que terminó siendo censurado o se fue. Pero eso es todo. 

 04 heafy tattoos 1 Photo by Ashley Heafy

Lo que es la pieza – es la representación de mi artista de "Susanoo contra Yamato no Orochi." Yamato no Orochi era una serpiente de ocho cabezas que vivía en el mar. Susanoo fue uno de los dioses del antiguo Japón que vino para pelear contra la criatura para salvar a una mujer. Tuvo que llenar ocho tinas gigantes con sake y emborrachar a cada cabeza de serpiente. Una vez que lo hizo, él pudo luchar contra el demonio. La historia es bastante increíble. Kahlil Rintye es mi artista del tatuaje. Él trabaja en Tattoo City en San Francisco en 700 Lombard Street. Kahlil ha hecho la mayoría de los tatuajes en mi cuerpo. La primera pieza que me hice fue realizada por un tipo llamado Brian Bruno, que también estaba en Tattoo City.

¿Puedes contarnos sobre el resto de tus tatuajes y lo que significan para ti? 

Tengo cuatro tatuajes. Mi brazo derecho fue mi primera pieza. Es la representación de Brian Bruno de una antigua pieza japonesa de Kitagawa Utamaro. Se llamaba “El Dragón Ascendente” (“Ascending Dragon”). Eso fue cuando nuestro álbum "Ascendancy" estaba a punto de salir – se sentía como que las estrellas se hubieran alineado. Kitagawa Utamaro fue más conocido por sus piezas de Geishas – realmente nunca lo vi hacer una pieza de dragón. Después de años de investigación en un tríptico de madera del dragón, pedí a Brian que hiciera esta pieza. Pensé que sería el mejor tatuador  estadounidense para hacer el tatuaje japonés. 

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Luego, Kahlil se mudó al lugar de Brian (Kahlil también fue entrenado en el tatuaje japonés). Terminó haciendo mi segundo tatuaje que está en mi brazo izquierdo. Es una interpretación de una vieja pieza de narración japonesa realizada por Yoshitoshi. Es de un samurai llamado Watanabe no  Tsuna luchando contra  Ibaraki no Doji en la puerta de Rashomon. Creo que esa pieza fue creada en la década de 1700 o de 1800, así que básicamente hice que Kahlil la duplicara en mi brazo izquierdo. 

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También tengo mi anillo de matrimonio tatuado en la mano izquierda, y eso es un "Ensō" japonés, que es un símbolo existencialista basado en la filosofía de la perfección, la imperfección, lo completo y lo incompleto. 

¿Tu esposa tiene algún tatuaje? ¿Alguno que coincida con los tuyos? 

Ella tiene un  diamante de la vieja escuela como su tatuaje de anillo de bodas. No tenemos tatuajes que coincidan, pero todo su brazo derecho también fue hecho de Kahlil. Ella tiene flores japonesas y patrones de flores, así como textiles de kimono que componen su manga (sleeve) derecha. Se añadió un conejo japonés a la muñeca, y su brazo izquierdo fue hecho por una colección de mujeres artistas del tatuaje de todo el mundo. 

07 matt heafy wife pix Photo by Ashley Heafy

Una artista japonesa hizo el gato de la suerte japonés (en su antebrazo izquierdo), que es un Maneki Neko, realizado por Kyon en Chopstick Tattoo en Osaka, Japón. 

Creo que es genial que ella sea una mujer que tiene todas las mujeres artistas del tatuaje en un brazo. 

08 heafy tattoos 9 Photo by Ashley Heafy

¿Qué edad tenías la primera vez que te enamoraste de los tatuajes, y qué comenzó la adicción? 

Creo que podría haber sido en la época en la que empecé a ir de gira, que fue cuando yo tenía quizá diecisiete o dieciocho años. Empecé a notar más que la gente tenía tatuajes. Me gustó esa forma de expresión y pensé que era realmente genial, y que era algo que yo quería hacer. Pero sabía que si me lo hacía a mí mismo – con todo lo que he hecho en la vida me he ido al máximo y he sido muy extremo con eso – tendría que estar bien pensado. Así que yo mismo pensé que tenía que ser japonés, y yo siempre he considerado a mí mismo como mitad japonés, y siempre he estado muy metido en todo lo que es la cultura japonesa. Sabía que tenía que ser tradicionalmente japonés en lugares tradicionales japoneses. Así que todo lo que me he hecho hasta ahora ha sido una representación de una antigua pieza clásica japonesa en sólo lugares tradicionales que el tatuaje japonés permite. A excepción de mi dedo anular, obviamente – los tatuajes japoneses nunca van más allá de las muñecas, el cuello o los tobillos. Eso es una cosa que yo quería, porque también estoy muy metido en el Jiu Jitsu brasileño, y al usar un anillo de bodas y ser guitarrista, es algo arriesgado. 

08 taped fingers mh

Los tatuajes pueden ser bastante dolorosos, sin embargo algunas personas también pueden ser masoquistas. ¿Cuáles fueron algunos momentos dolorosos y placenteros de compone y grabar "Silence in the Snow"? 

 Por suerte, este disco pasó realmente sin problemas. Hemos tenido algunos que han estado un poco más desastrosos. Lo que realmente me gusta de éste es que "Silence in the Snow" se inspiró en una gira en Japón en el año 2007 con Heaven and Hell. Yo nunca había visto a Heaven and Hell, así que los vimos esa noche y llegamos a conocer a Dio, y él fue super amable y humilde. Él fue muy agradable con nosotros, así que después nos inspiramos y empezamos a escribir la música para la canción "Silence in the Snow" allá por 2007. La mantuvimos en un segundo plano y nunca realmente planeamos lanzarla. Un día en el 2013 fue que finalmente dijimos que debíamos sacar "Silence in the Snow" para un próximo disco. El título proviene de una pieza japonesa basada en "Yuki no Danmari" de la serie Suikoden sobre dos guerreros que luchan en la nieve. "Yuki no Danmari" se traduce a "Silence in the Snow" ("Silencio en la nieve"). 

 

Photo credits: Ashley Heafy, Matt Heafy.

Oct 07, 2014
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[Actualización: 9.noviembre.2015] Matt ha publicado en su Instagram el progreso de su tatuaje:

Susanoo v Yamata no Orochi

 

Post Original:

Si han estado siguiendo nuestras publicaciones a través de las diversas redes sociales, se habrán enterado que Matt recientemente viajó a San Francisco, California junto a su esposa Ashley no sólo para pasear sino para tatuarse, ya que ambos son aficionados a la tinta.

En una entrevista realizada por PitCam.TV a principios de este año Matt dijo cuáles serían las siguientes partes de su cuerpo que tenía pensado tatuarse, y así fue: Heafy ha comenzado a tatuarse la espalda y trasero al estilo tradicional japonés.

Por ahora solamente hizo el delineado y la obra se llama Susanoo slaying the serpent Yamata no Orochi  (Susanoo matando a la serpiente Yamata no Orochi) y fue realizada por el artista Kahlil Rintye en Tattoo City.

Ashley optó por inmortalizar a la mascota de la pareja, Miyuki, y el tatuaje fue hecho por Jen Lee, también en Tattoo City.

Pueden ver las imágenes del avance de los tatuajes en la galería que está debajo de esta publicación, o en Twitter e Instagram.  ¿Qué les parecen?

También pueden leer un poco de las aventuras de los Heafy en California aquí.

Feb 18, 2014
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Source: Kerrang! Magazine – 29/01/14

Esta semana: Matt Heafy, Trivium
“Heavy” Heafy sabe mucho sobre el metal – incluso encontró el amor a través del thrash.


Texto: Mark Sutherland
Foto: Paul Harries

LA PRIMERA CANCIÓN QUE RECUERDO HABER ESCUCHADO FUE…
Van Halen, ‘Eruption’

“Mi papá siempre escuchaba a Van Halen. Él tenía los discos originales cuando era un niño, pero él volvió a comprar lo mejor de la colección [‘Best Of Volume 1, 1996]. ‘Eruption’ era la que empezaba ese disco. Mi papá tocaba guitarra, pero él nunca se unió a una banda. Su sueño era tener un hijo que tocará una Gibson Les Paul. ¡Y miren, yo toco una!”
Encuéntrala: Van Halen (1978)

MI CANCIÓN FAVORITA EN LA ESCUELA ERA…
Metallica, ‘No Leaf Clover’

“Esa fue la canción que decidí tocar en mi show de talento en el octavo grado. Era nada más yo y un baterista, y al tocar esa canción el cantante original de Trivium me pidió que hiciera una prueba para entrar a la banda. No ganamos el show de talento, pero al menos conseguí la prueba. La canción con la que hice mi audición fue ‘For Whom The Bell Tolls’, también de Metallica…”
Encuéntrala: S&M (1999)

LA PRIMERA CANCIÓN QUE APRENDÍ A TOCAR FUE…
The B-52's, ‘Rock Lobster’

“Mi papá la tocaba y yo me quedaba como diciendo, ‘¿Qué es eso? ¡Suena cool!’ Ni siquiera sé si he escuchado esa canción otra vez aparte de cuando la tocaron en Family Guy [Padre de Familia]. Simplemente recuerdo ese riff. ¿Existe una posibilidad de que Trivium le haga un cover? ¡Absolutamente no, nunca!”
Encuéntrala: The B-52's (1979)

LA CANCIÓN MÁS TRISTE QUE HAYA ESCUCHADO ES…
Depeche Mode, ‘Sweetest Perfection’

“‘Violator’ es uno de los discos más geniales que existen, y ‘Sweetest Perfection’ es una de las mejores canciones en él. Tiene el mismo movimiento que una canción de amor de los años 50, excepto que va más lenta. Líricamente, uno se podría imaginar que se trata sobre una relación o una astronave perdida, pero por lo que me puedo dar cuenta, se trata sobre la adicción. Se siente y suena como una canción de amor, pero se trata sobre la adicción o la pérdida. Pensé que eso era realmente oscuro.”
Encuéntrala: Violator (1990)

LA CANCIÓN QUE ME HACE QUERER BAILAR ES…
Misfits, ‘Saturday Night’

“Yo no bailo, pero esta fue la primera canción en mi boda. Estoy bastante seguro que se trata sobre partir a tu amante, pero yo pensé que era apropiada. Estoy muy seguro que el baile no se vio tan bien, ¡pero al menos lo estábamos haciendo con una canción de Misfits! No me gusta hacer cosas que no he practicado enfrente de la gente. ¡Especialmente bailar!”
Encuéntrala: Famous Monsters (1999)

LA CANCIÓN CON LA QUE ME ENAMORÉ FUE…
Overkill, ‘Rotten To The Core’

“Estábamos abriendo para Overkill cuando me volví a encontrar con Ashley, la persona que luego se convirtiera en mi esposa. Nos conocíamos desde que teníamos 12 años, pero no éramos realmente amigos, si no sólo conocidos. Fue en un lugar llamado Joe's Sports Bar en Chicago. Recuerdo que ella estaba ahí visitando a alguien que vendía mercancía para nosotros. Pero fue en ese show cuando ambos nos dimos cuenta que nos gustábamos el uno al otro – nos dimos nuestro primer beso durante el set de Overkill esa noche. ¡Así que muchas gracias Overkill! Y recuerdo que yo tenía puesta una playera de Misfits, y eventualmente le di esa playera a ella.”
Encuéntrala: Feel The Fire (1985)

LA CANCIÓN QUE ME HUBIERA GUSTADO COMPONER ES…
Mozart, ‘Requiem in D minor, K.626’

“Desearía poder crear música de esa manera. No conozco a nadie que sea capaz de crear grandes piezas como esas. La gente puede componer piezas clásicas, pero no de esa grandeza. El Requiem es una pieza completa con todos estos sub-movimientos dentro de ella, con todos estos diferentes instrumentos y diferentes sentimientos y tempos, no solamente utilizando instrumentos clásicos sino también la voz que describe estas historias impresionantes. Las bandas de hoy en día apenas y pueden tocar música que alguien más escribió para ellas, y esos tipos creaban obras maestras clásicas. Es simplemente increíble.”
Encuéntrala: Requiem, Laudate Dominum; Exsultate, Jubilate (2000)

LA CANCIÓN QUE COMPUESTO DE LA QUE ESTOY MÁS ORGULLOSO ES…
Trivium, ‘Shogun’

“Es uno de los temas más épicos que tenemos. Dura 12 minutos. Es una de las favoritas de los fans y es del álbum más técnico que hayamos hecho, con la que tiene más partes y más dimensiones. ‘Shogun’ tiene todo lo que hacemos como banda, todo eso relleno en un solo tema. La tocamos en vivo recientemente y una chica estaba llorando, mientras este otro tipo movía su cabeza incrédulo de que la estábamos tocando. Es una canción que nunca dijimos que jamás la tocaríamos, pero pareciera como si nunca lo haríamos.”
Encuéntrala: Shogun (2008)

LA CANCIÓN QUE QUIERO QUE TOQUEN EN MI FUNERAL ES…
In Flames, ‘Goliaths Disarm Their Davids’

“In Flames es una de mis bandas favoritas de todos los tiempos. La escena del metal de Gotemburgo de finales de los años 90 fue revolucionaria, incorporando Folk sueco con Death metal y heavy metal tradicional. Esa mezcla realmente picó mi interés para lo que luego se convirtiera en el estilo de Trivium. Nunca la han tocado en vivo – siempre he dicho que volaré a cualquier lugar para ver esa canción. Se siente como un viaje – una búsqueda de canción. Pero después querría ‘Good Old-Fashioned Lover Boy’ de Queen para levantar el ánimo de nuevo…”
Encuéntrala: The Jester Race Rerelease (2002)

LA MEJOR CANCIÓN QUE SE HA COMPUESTO ES…
Queen, ‘Bohemian Rhapsody’

“Hay tanto en ella que funciona. Los emparejamientos de estilos que uno nunca se podría haber imaginado que fueran juntos; utilizando música clásica y las raíces de lo que se convertiría en el heavy metal; pintando una imagen vívida, líricamente; la producción; las cosas enterradas… Cada que la escucho todavía encuentro cosas nuevas, y no suena antigua, sino contemporánea. Queen definitivamente tiene lo que merece, pero no se discute sobre lo que podrían o deberían ser. Deberían ser reconocidos igual que The Beatles.”
Encuéntrala: A Night At The Opera (1975)

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