Trivium Mexico

Feb 01, 2016
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Source: EXCLUSIVE INTERVIEW: MATT HEAFY

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Tattoo.com tuvo la oportunidad de sentarse con el líder de Trivium, Matt Heafy, para discutir en profundidad la representación cultural que rodea sus tatuajes, los antecedentes históricos de cada pieza, la importancia del tiempo y la colocación, y la correlación entre el tatuaje y la música. Echen un vistazo a lo que el maestro del heavy metal de Orlando, Florida dijo acerca de sus influencias japonesas y su relación con el último álbum de Trivium, "Silence in the Snow." 

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¿Cómo dirías que la industria de la música ha influenciado los tatuajes y el arte corporal? 

Creo que la industria musical sin duda ha hecho los tatuajes algo más aceptable en la cultura popular. Creo que antes de que la música se convirtiera en una "industria", fueron los antiguos japoneses que influyeron en los tatuajes al convertirlos en una forma de arte. Desafortunadamente ahora parece que Japón está retrocediendo a estar en contra de los tatuajes. Pero con el resto del mundo, creo que es gracioso porque todos los estereotipos acerca de los tatuajes como que funcionan. Por ejemplo, si uno ve una persona que pareciera como si estuviera en una banda y que está cubierta de tatuajes, lo más probable es que tal vez sí está en una banda. Creo que es una gran cosa que los tatuajes permitan a las bandas expresarse a sí mismas – y en este sentido, la industria musical no tiene las mismas limitaciones que otras industrias tienen. También creo que la música es otra manera de que las personas puedan expresarse y mostrar quiénes son como personas. 

Fotos de tu trasero desnudo han aparecido en Internet. Cuéntanos un poco acerca de esta pieza trasera en curso, dónde te la hiciste, y la intención detrás de ella. 

Es chistoso, porque cuando recién empecé la pieza de la espalda, estaba a punto de publicar una foto en Internet y le dije a mi esposa: “¿Sabes?… Deberíamos censurar la rayita de la cola.” Fue más que nada para que no la quitaran de Instagram. También pensé en que tenía algunos amigos con niños pequeños cuyos padres querrían mostrarles los tatuajes, pero no necesariamente mostrarles mi trasero. Así que censuramos la rayita y nadie mencionó nada de eso. Y luego, cuando empezamos a tomar nuevas imágenes pensamos, “Bueno, si censuramos esto, entonces va a cubrir una gran parte del arte.” Así que me dije a mí mismo: “Hay un montón de celebridades de Instagram en el mundo que están mostrando sus cuerpos todo el tiempo, excepto que realmente no están mostrando otra cosa más que sus cuerpos. No están mostrando tatuajes o arte, o algo que sea de gran importancia cultural. Sólo están tratando de conseguir seguidores.” 

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Pensé que sería de doble significado con tatuajes y yo bromeando sobre fama en Instagram. Así lo hice, y una gran cantidad de personas – principalmente tipos de 16 a 24 años de edad – no estaban muy felices de ver el trasero de otro tipo en línea. Recuerdo que hubo una persona – la cosa se puso bastante desagradable entre él y otra de las chicas de Instagram que estaban en allí. Creo que terminó siendo censurado o se fue. Pero eso es todo. 

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Lo que es la pieza – es la representación de mi artista de "Susanoo contra Yamato no Orochi." Yamato no Orochi era una serpiente de ocho cabezas que vivía en el mar. Susanoo fue uno de los dioses del antiguo Japón que vino para pelear contra la criatura para salvar a una mujer. Tuvo que llenar ocho tinas gigantes con sake y emborrachar a cada cabeza de serpiente. Una vez que lo hizo, él pudo luchar contra el demonio. La historia es bastante increíble. Kahlil Rintye es mi artista del tatuaje. Él trabaja en Tattoo City en San Francisco en 700 Lombard Street. Kahlil ha hecho la mayoría de los tatuajes en mi cuerpo. La primera pieza que me hice fue realizada por un tipo llamado Brian Bruno, que también estaba en Tattoo City.

¿Puedes contarnos sobre el resto de tus tatuajes y lo que significan para ti? 

Tengo cuatro tatuajes. Mi brazo derecho fue mi primera pieza. Es la representación de Brian Bruno de una antigua pieza japonesa de Kitagawa Utamaro. Se llamaba “El Dragón Ascendente” (“Ascending Dragon”). Eso fue cuando nuestro álbum "Ascendancy" estaba a punto de salir – se sentía como que las estrellas se hubieran alineado. Kitagawa Utamaro fue más conocido por sus piezas de Geishas – realmente nunca lo vi hacer una pieza de dragón. Después de años de investigación en un tríptico de madera del dragón, pedí a Brian que hiciera esta pieza. Pensé que sería el mejor tatuador  estadounidense para hacer el tatuaje japonés. 

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Luego, Kahlil se mudó al lugar de Brian (Kahlil también fue entrenado en el tatuaje japonés). Terminó haciendo mi segundo tatuaje que está en mi brazo izquierdo. Es una interpretación de una vieja pieza de narración japonesa realizada por Yoshitoshi. Es de un samurai llamado Watanabe no  Tsuna luchando contra  Ibaraki no Doji en la puerta de Rashomon. Creo que esa pieza fue creada en la década de 1700 o de 1800, así que básicamente hice que Kahlil la duplicara en mi brazo izquierdo. 

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También tengo mi anillo de matrimonio tatuado en la mano izquierda, y eso es un "Ensō" japonés, que es un símbolo existencialista basado en la filosofía de la perfección, la imperfección, lo completo y lo incompleto. 

¿Tu esposa tiene algún tatuaje? ¿Alguno que coincida con los tuyos? 

Ella tiene un  diamante de la vieja escuela como su tatuaje de anillo de bodas. No tenemos tatuajes que coincidan, pero todo su brazo derecho también fue hecho de Kahlil. Ella tiene flores japonesas y patrones de flores, así como textiles de kimono que componen su manga (sleeve) derecha. Se añadió un conejo japonés a la muñeca, y su brazo izquierdo fue hecho por una colección de mujeres artistas del tatuaje de todo el mundo. 

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Una artista japonesa hizo el gato de la suerte japonés (en su antebrazo izquierdo), que es un Maneki Neko, realizado por Kyon en Chopstick Tattoo en Osaka, Japón. 

Creo que es genial que ella sea una mujer que tiene todas las mujeres artistas del tatuaje en un brazo. 

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¿Qué edad tenías la primera vez que te enamoraste de los tatuajes, y qué comenzó la adicción? 

Creo que podría haber sido en la época en la que empecé a ir de gira, que fue cuando yo tenía quizá diecisiete o dieciocho años. Empecé a notar más que la gente tenía tatuajes. Me gustó esa forma de expresión y pensé que era realmente genial, y que era algo que yo quería hacer. Pero sabía que si me lo hacía a mí mismo – con todo lo que he hecho en la vida me he ido al máximo y he sido muy extremo con eso – tendría que estar bien pensado. Así que yo mismo pensé que tenía que ser japonés, y yo siempre he considerado a mí mismo como mitad japonés, y siempre he estado muy metido en todo lo que es la cultura japonesa. Sabía que tenía que ser tradicionalmente japonés en lugares tradicionales japoneses. Así que todo lo que me he hecho hasta ahora ha sido una representación de una antigua pieza clásica japonesa en sólo lugares tradicionales que el tatuaje japonés permite. A excepción de mi dedo anular, obviamente – los tatuajes japoneses nunca van más allá de las muñecas, el cuello o los tobillos. Eso es una cosa que yo quería, porque también estoy muy metido en el Jiu Jitsu brasileño, y al usar un anillo de bodas y ser guitarrista, es algo arriesgado. 

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Los tatuajes pueden ser bastante dolorosos, sin embargo algunas personas también pueden ser masoquistas. ¿Cuáles fueron algunos momentos dolorosos y placenteros de compone y grabar "Silence in the Snow"? 

 Por suerte, este disco pasó realmente sin problemas. Hemos tenido algunos que han estado un poco más desastrosos. Lo que realmente me gusta de éste es que "Silence in the Snow" se inspiró en una gira en Japón en el año 2007 con Heaven and Hell. Yo nunca había visto a Heaven and Hell, así que los vimos esa noche y llegamos a conocer a Dio, y él fue super amable y humilde. Él fue muy agradable con nosotros, así que después nos inspiramos y empezamos a escribir la música para la canción "Silence in the Snow" allá por 2007. La mantuvimos en un segundo plano y nunca realmente planeamos lanzarla. Un día en el 2013 fue que finalmente dijimos que debíamos sacar "Silence in the Snow" para un próximo disco. El título proviene de una pieza japonesa basada en "Yuki no Danmari" de la serie Suikoden sobre dos guerreros que luchan en la nieve. "Yuki no Danmari" se traduce a "Silence in the Snow" ("Silencio en la nieve"). 

 

Photo credits: Ashley Heafy, Matt Heafy.

Ene 26, 2016
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Créditos de la imagen: ToT Throne Of Thanatos

 

¡Este día 26 de enero queremos felicitar a Matt Heafy porque está cumpliendo 3 décadas de vida! Así es: ¡nuestro querido vocalista y guitarrista entra al club de los 30! Ya no es un jovencito... ay, cómo crecen :P

Pueden enviarle sus deseos de cumpleaños a través de TwitterInstagram y Facebook :) 

A principios de este año su familia y amigos le hicieron un pequeño festejo, ya que Matt celebrará su cumple trabajando en la gira actual donde se encuentra Trivium:

 

¡Celebrando anticipadamente el cumpleaños #30 de Matthew Kiichi Heafy! Photo credits: Brian Heafy - https://instagram.com/p/BAGGjnfFNBQ/

Posted by Trivium México on Domingo, 3 de Enero de 2016
Ene 07, 2016
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Source: Trivium look back on Ascendancy and their rise to the top

Matt y Corey reflexionan sobre los 10 años de Trivium y el nuevo álbum Silence In The Snow

Una década después de su álbum hito Ascendancy, Matt Heafy y Corey Beaulieu de Trivium recuerdan sobre los músicos que eran, y su progresión al nuevo LP, Silence In The Snow.

Fue a finales de 2005 cuando un grupo de jóvenes desaliñados residentes de la Florida se elevaron a sí mismos de una relativa oscuridad y se convirtieron en la banda más candente del metal. Con el segundo álbum Ascendancy – el cual llegó un año después de firmar un acuerdo con el legendario sello Roadrunner – Trivium de algún modo había atrapado un rayo en una botella y creó un sonido que revitalizó el género. Era un monstruo de Frankenstein que marcó el comienzo de nuevas ideas sin alejarse demasiado de la rica herencia del metal.

Pronto estarían en portadas de revistas, en rotación constante a través de las ondas de radio y siendo señalados por sus héroes Metallica como una de las esperanzas más brillantes de la música pesada. 10 años después, los guitarristas Matt Heafy y Corey Beaulieu recuerdan el álbum que cambió sus vidas para siempre, y contemplan el siguiente capítulo de su carrera…

¿Qué recuerdan de componer y grabar Ascendancy?

Corey: “Me uní a la banda justo después de graduarme de la universidad de música. No tenía trabajo y un lugar donde vivir, por lo que estuve viviendo en mi coche por un tiempo, y luego empecé a quedarme en casa de Matt. Él todavía estaba en la preparatoria, así que una vez que terminaba sus estudios nos reuníamos en un almacén y tocábamos durante horas. No teníamos nada más que hacer mas que tocar y componer.

“Así es como surgieron las canciones de Ascendancy – sólo unos tipos que no tenían nada que hacer, sin fans, sin trabajo, ni nada. A finales de ese álbum y al comienzo de The Crusade, ya habíamos tenido nuestra primera portada de Total Guitar. Creo que fue cuando Matt tenía un corte de tazón con el pelo corto y negro…”

Matt: “¡Vamos! Fue un cuestionable estilo swoop, no un corte de tazón. Yo tenía unos 17 años de edad y todavía vivía en casa de mis padres. Simplemente tocábamos lo que queríamos oír como fans del metal. Y todos estos diferentes sonidos comenzaron a mezclarse: death metal, melodeath, metal tradicional, hardcore… Se convirtió en un crisol de influencias que probablemente no deberían ir juntas.”

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¿Tuvieron idea de que estaban haciendo un disco que tendría tal impacto?

Corey: “Yo diría que el 60% de esas cosas fue escrito totalmente como fruto de la casualidad. Rain, Pull Harder On The Strings Of Your Martyr, Like Light To The Flies… esas surgieron de practicar. Recuerdo haber tocado el intro, de repente compusimos el resto, los mezclamos y ¡bum! En un par de horas de practicarla, se terminó. Mirando en retrospectiva, es una locura cómo muchas de estas canciones fueron creadas en una porquería de almacén después de escuchar las palabras ‘¡Toca algo!’”

Matt: “Recuerdo que estaba sentado en mi sofá tocando el riff intro de Pull Harder… y pensando, ‘Tengo que recordar esto.’ Así que me lo llevé a la práctica y [el baterista original] Travis Smith dijo que también había compuesto una parte de batería la misma noche. Así que contamos hasta cuatro y fuimos por eso. Fue tan fácil.

“A Gunshot To The Head Of Trepidation se compuso en un día libre en las afueras de Las Vegas, sentados dentro de un motel asqueroso. Éramos jóvenes y estúpidos, así que obviamente habíamos estado toda la noche parrandeando. Hallé este riff de ametralladora y Travis empezó a tocar su almohadilla de batería.

“Pensamos que todo estaba encajando perfectamente al unísono, probablemente a causa de los largos días y el cansancio. Pero no encajaba, ¡y terminó por convertirse en lo bello de eso!”

¿Fue duro mantener su ética de banda de garage mientras su perfil se disparaba?


Corey:
“Muchos de los músicos hoy en día están tocando en sus habitaciones, haciendo videos en YouTube, usando software como EZ Drummer para hacer grabaciones caseras de buena calidad. Pero la belleza detrás de Ascendancy es que surgió de un grupo de chicos en una habitación, intercambiando ideas entre sí.

“Cuando estás sentado solo delante de una pinche computadora, no tendrás eso. Hemos utilizado este enfoque en todos nuestros discos, excepto en Vengeance Falls, que tuvo un montón de pre-producción y edición. Algunas cosas pueden sonar muy bien en una laptop, pero cuando realmente lo tocas como banda, tal vez no funciona tan bien, hasta el punto en el que se tienen que modificar algunas de esas cosas en vivo para hacerlo sentir diferente o más cómodas.”

Matt: “Tengo que ser capaz de tocarlo y cantarlo. Como cuando James Hetfield compone una parte vocal, él toca primero la guitarra y luego se trata de lo que se ajusta sobre la parte que está tocando. Tomen Walk de Pantera – aunque es una parte de guitarra simple, es muy difícil de tocar y cantar porque esos dos ritmos son opuestos entre sí. En The Crusade y Vengeance Falls, yo realmente no pensé bien en eso.”

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¿Qué es lo que oyes cuando escuchas de nuevo sus primeros discos, sobre todo en comparación con la música que están haciendo ahora?

Corey: “Con cada álbum, puedo escuchar mi propio desarrollo en el tono, vibrato o bending. Ninguna de esas cosas sonaba con enorme confianza en Ascendancy. ¡No puedo adivinar cuántas horas de tocar he acumulado desde que lo hicimos! Yo no busco tecnicismo, se trata más de la emoción cuando se toca.

“En nuestro cuarto álbum Shogun, yo era mucho más shreddy, pero el nuevo disco Silence In The Snow tiene más precisión. Estoy pensando más acerca de las opciones de notas y el fraseo. Siempre me han gustado los solos que se pueden cantar, así que mientras ir por 8,000 escalas y arpeggios puede ser divertido, no va a traer mucha emoción de la gente.

“Si uno escucha a Slash, George Lynch o Marty Friedman, hay tecnicismo, pero lo más importante: hay creatividad y suena pegadizo. Y es lo mismo con la voz de Matt: en Ascendancy sonaba como un joven de 18 años de edad… ¡pero ahora suena como una bestia!”

Matt: “Incluso cuando era un adolescente, yo ya estaba muy regimentado con mi práctica, sigo siendo el mismo hoy. Me he estado metiendo en el Jiu Jitsu en los últimos años, y eso me ha recordado lo que se siente poner un trabajo duro en algo.

“Entré en la cosa más difícil que he hecho. El primer día que enfrenté a alguien, fue un chico de 120 libras y pensé: ‘¡Lo tengo en la bolsa!’ ¡Y él me estranguló en 30 segundos! Eso realmente me humilló.

“Así que he reintegrado esa misma idea con la música. Estoy tomando clases de nuevo con un tipo clásico que me enseña a leer y ver si hay agujeros en mi forma de tocar la guitarra. Estoy tomando clases de canto, clases de cocina, clases de yoga… Las Artes Marciales me recordaron lo que se siente llegar a ser bueno en las cosas, y he aplicado eso en todas partes en mi vida.”

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Notamos que las siete cuerdas están de vuelta…

Matt: “Todo se remonta al tema que da título al disco, que de hecho fue escrito en el 2007 alrededor de las sesiones de Shogun. Se suponía que iba a estar en el disco, pero no encajaba estilísticamente. Es una canción muy sencilla, y la simplicidad da un poco de miedo – muestra los defectos en tu manera de tocar si no estás a la altura. Entonces el año pasado empezamos a componer este séptimo álbum y decidimos traer a Silence… de regreso.

“Debido a que fue compuesta en una [guitarra] de siete cuerdas, nos llevó a usarlas de nuevo. Me inspiré en [la leyenda del metal noruego] Ihsahn, que utiliza mucho una afinada en siete cuerdas. No sé si alguna vez toquemos ocho cuerdas, pero me encanta la forma en que Ihsahn las utiliza, ¡porque él realmente usa todas las cuerdas!”

Corey: “Los dos últimos álbumes han sido estrictamente en Drop D. Ya que no habíamos utilizado siete cuerdas por un tiempo, se sentía muy divertido y estimulante trabajar con los tonos más oscuros sonoros que el instrumento puede ofrecer. Obviamente uno no quiere utilizar esa baja B todo el tiempo, pero es divertido saltar a ese registro sonoro para un sonido más grueso.

“Hay un par de canciones en Drop D también. Moviéndose de una a otra, realmente permite que cada canción tenga su propia vibra. A mitad del disco, no se siente como que se haya escuchado la misma canción en seis canciones. Las cosas se vuelven aburridas cuando todo está en la misma nota...”

¿Cuál otro equipo acabaste usando?

Corey: “Mantuvimos las cosas simples. Nosotros no nos volvemos demasiado locos con los pedales cuando se trata de grabar. Los principales tonos rítmicos son de una EVH 5150III, para todas las melodías que no van en los solos utilizo mi Kemper, que tiene un parche lead que me gusta mucho.

“Todos los solos se hicieron en un KSR Colossus. Eso aseguró que todo tuviera su propio sonido único. Usamos un sitar para el intro de Breathe In The Flames, que surgió por estar bromeando una noche. Había uno por ahí en el estudio, ¡y terminó sonando muy cool, como Wherever I May Roam de Metallica!”

Matt: “La guitarra para todos mis ritmos fue mi Epiphone signature. Probé todo lo demás y nada sonaba mejor, así que definitivamente voy a estar haciendo eso de nuevo la próxima vez. Gran parte de la razón por la cual este disco suena tan bien es porque es bastante minimalista, no hay mucho sucediendo y hay sorprendentemente poca ganancia.

“Muchos guitarristas de metal meterán bastante, pero me parece que las cosas suenan más pesadas con menos. Y para ser honesto, mientras menos cosas haya entre mis dedos y lo que el público escuche, mejor.”

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Blind Leading The Blind and The Thing That’s Killing Me muestran algunas de tus voces limpias más fuertes a la fecha, Matt. ¿Cómo has cambiado como cantante?

Matt: “Bueno, hace dos años arruiné mi voz y tuve que volar a casa y cancelar nuestra gira. Nuestros chicos del equipo tuvieron que irse a casa sin recibir un pago, me sentí muy mal. Cuando aterricé recibí un mensaje de M Shadows de Avenged Sevenfold que decía: ‘Lamento oír que arruinaste tu voz, ¿hay algo que pueda hacer para ayudar?’

“Y le pregunté qué hizo cuando le sucedió a él, así que me puso en contacto con su tutor de canto Ron Anderson, quien aprendió del maestro de Freddie Mercury. Él ha ayudado a Axl Rose, Janet Jackson, Chris Cornell… básicamente todos los que son increíbles en el canto.

“Aprendí una técnica de grito que era 100% diferente. Desde hace 15 años había estado haciéndolo de forma incorrecta y dañando mis cuerdas vocales. Tengo mucha suerte que no me arruiné a mí mismo de forma permanente. Ahora tengo la manera segura, que funciona y suena muy bien.

“Yo solía pensar que cantar tendría ser difícil, pero eso no es cierto en absoluto. Durante 15 años, había estado cantando a todo pulmón – casi me desmayaba y me daban dolores de cabeza durante la grabación. Forzaba mi voz y terminaba perdiendo rango, por lo que empezaba a sonar más bajo porque no podía ir tan alto como solía hacerlo. ¡Afortunadamente eso ha cambiado!”

Dead And Gone tiene una sensación casi tech-metal, especialmente el lento bend en el verso

Matt: “¡Eso en realidad fue compuesto por nuestro bajista Paolo, él es el compositor de bends lentos en la banda! Él compuso In Waves y esa fue la canción que cambió nuestro sonido. Fue un momento donde abrazamos la sencillez y grooves extraños, buscando un equilibrio en medio y eso es algo que todavía aspiramos. Así que ese tipo de cosas son siempre de él. ¡Y creo que él es el maestro para eso!

“El vibrato es algo que se pierde en muchos de los músicos técnicos hoy. Los bends son tan importantes… es como cuando hay algunas personas que pueden hacer shred, pero no pueden sostener una nota. Algunos músicos parecen saltar esa parte del proceso.”

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¿Dónde ven a Trivium en 10 años?

Matt: “Hay esa famosa cita de los primeros días cuando nos preguntaron cuáles eran nuestros objetivos y respondí: ‘¡Queremos ser los próximos Metallica!’ Yo no sabía qué más decir… Pero pronto la gente empezó a preguntarse quién diablos eran estos niños que se comparaban a sí mismos con Metallica.

“Pero mirando hacia atrás, nadie debería avergonzarse de sus objetivos en la vida. ¡Todavía queremos ser el tipo de banda que puede cambiar el metal, y tocar en arenas con más pirotecnia que Rammstein!

Corey: “Hemos sido lo suficientemente afortunados para ser titulares de festivales como Bloodstock. Y esos grandes escenarios son donde nos sentimos como en casa, ¡tocar en ellos nos ha puesto más hambrientos! Hemos estado haciendo esto durante 10 años y Silence… se siente como el hito para empezar los próximos 10.

“Estamos en un momento de nuestra carrera donde queremos agarrar por el cuello y patearle el culo a todos. Ser líderes de cartel no es una antorcha fácil que se reciba. Uno se tiene que ganar el respeto, sobrevivir las trampas, y tener un cuerpo de trabajo que sea digno de las multitudes. A uno no se le pasa eso, y nosotros todavía estamos trabajando duro para llegar allí.”

 

Dic 28, 2015
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Estamos a sólo unos días de que finalice el año 2015 y debido a que no ha habido mucha actividad de Trivium, aquí solamente reuniremos las últimas noticias destacadas:

Como informamos recientemente, la banda ha reclutado un nuevo baterista, Paul Wandtke. Pueden leer más sobre eso dando click a esta liga.

NorthAmericanTour2016

Con esa nueva adición en su alineación, Trivium iniciará el 2016 con una gira por Estados Unidos y Canadá, la cual incluirá ciudades que no habían visitado en algún tiempo y donde darán la oportunidad a bandas locales para abrir los shows. Las fechas son las siguientes*:

JAN08

THE MUSIC FARM

Charleston, SC

JAN09

CAPONE'S

Johnson City, TN

JAN11

CHAMELEON CLUB

Lancaster, PA

JAN13

THE CHANCE

Poughkeepsie, NY

JAN14

ASYLUM

Portland, ME

JAN15

PEARL STREET

Northampton, MA

JAN16

THE LOST HORIZON

Syracuse, NY

JAN18

DALLAS NIGHTCLUB

Kitchener, Canada

JAN20

THE MACHINE SHOP

Flint, MI

JAN21

ROUTE 20 OUTHOUSE

Racine, WI

JAN22

BOONDOCKS PUB

Springfield, IL

JAN23

THE VANGUARD

Tulsa, OK

JAN25

BLACK SHEEP

Colorado Springs, CO

JAN26

JAKE'S BACKROOM

Lubbock, TX

JAN27

TREES DALLAS

Dallas, TX

JAN29

TRICKY FALLS

El Paso, TX

JAN30

THE PRESSROOM

Phoenix, AZ

FEB01

ROXY

Los Angeles, CA

FEB02

FULTON 55

Fresno, CA

FEB03

ACE OF SPADES

Sacramento, CA

FEB04

KNITTING FACTORY

Boise, ID

FEB06

KNITTING FACTORY - WIN TICKETS BY LISTENING TO 94.5 FM

Spokane, WA

FEB07

STUDIO SEVEN

Seattle, WA

FEB08

VENUE

Vancouver, Canada

FEB10

STARLITE ROOM

Edmonton, Canada

FEB11

MARQUEE

Calgary, Canada

FEB12

O'BRIANS

Saskatoon, Canada

FEB13

THE PYRAMID CABARET

Winnipeg, Canada

FEB15

MAJESTIC

Madison, WI

FEB16

RUSTY SPUR

Fort Wayne, IN

FEB17

BLUE NOTE

Columbia, MO

FEB19

RIVERSIDE WAREHOUSE

Shreveport, LA

FEB20

SOUL KITCHEN

Mobile, AL

* JAN significa “January” (Enero) / FEB significa “February” (Febrero)

 

matt ihsahn mass darkness

Cambiando un poco de tema, quien ha estado ocupado colaborando con otros artistas es Matt Heafy, ya que hace unos días se dio a conocer que contribuyó en una canción de su ídolo Ihsahn, la cual se titula “Mass Darkness”.

Al respecto Matt dijo: “¡Nueva canción y vídeo de Ihsahn! Fue un honor para mí contribuir en algunos coros en un tema de uno de mis héroes.

Ihsahn declaró lo siguiente: “Aunque mi objetivo fue dar una fuerte identidad individual a cada tema, 'Mass Darkness' representa gran parte de la actitud del álbum, ¡incluyendo un gran coro fortalecido por Matt Heafy!

El tema está incluido en el próximo álbum del artista noruego, Arktis, y se estrena el 4 de marzo de 2016. Por ahora el single está disponible en YouTube, Spotify, iTunes y Amazon:

 El track se estrenó en exclusiva el 18 de diciembre a través del sitio de Decibel Magazine.

 Les recordamos que para no perderse de ninguna noticia de Trivium nos sigan en Facebook, Twitter & Instagram ;)

 

Nov 24, 2015
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Source: Revolver Magazine December 2015

MATT HEAFY – EL LÍDER DE TRIVIUM SE VUELVE LOCO RESPONDIENDO SUS CARTAS 

Fotos: Jimmy Hubbard
Traducción: Viry Abernethy (Trivium México)

Cuando Revolver se puso al día con Matt Heafy era temprano en el día – pero el cantante y guitarrista de Trivium ya había abarcado mucho terreno. “Desperté, fui al gimnasio a levantar pesas, hice una hora de guitarra y otra hora de canto,” dice en su respuesta característicamente rápida. “Oh, y también hice algunas labores domésticas. Así que ha sigo un día muy productivo hasta ahora.”  

El que Heafy de 29 años tenga lleno el plato no debería ser sorpresa para nadie. En adición a los seis discos e incontables giras que ha hecho con Trivium durante la última década, el líder da rienda suelta en varios otros intereses, tanto musicales como de otra índole, desde cocinar al jiu-jitsu brasileño, a trabajar en su proyecto alterno influenciado en el black metal, Mrityu. 

Pero en el horizonte cercano está el nuevo álbum de Trivium, ‘Silence In The Snow.’ Las raíces de su séptima producción discográfica se remontan a hace ocho años. “En el 2007 estábamos en Japón siendo banda soporte de Heaven and Hell,” explica Heafy. “Nunca había visto a la banda, y no estaba muy familiarizado con su material. Yo era fan de [el cantante Ronnie James] Dio, pero no sabía mucho de ellos. Pero miramos su set desde el balcón, y nunca había visto algo como eso. Había tanto poder en las voces y en la guitarra, bajo y batería. Después de eso me sentí muy inspirado y comencé a escribir la música para [la canción] ‘Silence In The Snow.’” 

Sin embargo pasaron años para que la canción se grabara. “Después de eso comenzamos a trabajar en ‘Shogun’ [2008], y mirando en retrospectiva ahora, no era el momento adecuado para una canción como esa,” continúa Heafy. “‘Shogun’ fue nuestro álbum más técnico, nuestro álbum más ocupado, y ‘Silence In The Snow’ – es una canción mínima. Y cuando algo confía más en la melodía se requiere de una musicalidad más fuerte, y de un canto más poderoso. Quizá inconscientemente no estábamos listos para eso.” 

Ahora, están listos. Usando la canción influenciada en Heaven and Hell ‘Silence In The Snow’ como punto de salida, Trivium – que también incluye al guitarrista Corey Beaulieu, el bajista Paolo Gregoletto y el baterista Mat Madiro – ha creado un álbum que, como dice Heafy, “está inspirado en los héroes de nuestros héroes. Nos preguntamos a nosotros mismos, ‘¿Qué bandas les gustaban a Metallica, Slayer y Pantera cuando estaban empezando?’ Y todo parecía remontarse a las mismas raíces de Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, Ozzy Osbourne, Rainbow y Dio. Y realmente profundizamos en ese sonido. Y digo, de algo como ‘Rainbow Rising’ [el álbum de Rainbow de 1976], me di cuenta que todavía podía escuchar elementos de eso en mucho del metal de hoy, en mucho del death metal, en mucho del black metal. Es una locura pensar en lo lejos que van las raíces.” 

Cuando llegó la hora de organizar este reportaje sobre Heafy, fue una locura ver lo lejos que se ha extendido la base de fans de Trivium. Vinieron preguntas de todas partes del mundo, incluyendo Brasil, México, Colombia, Francia, Noruega e Indonesia. Cuando Revolver le mencionó esto a Heafy, él rió. “Es genial escuchar eso. Y lo raro es que somos una banda estadounidense, pero los Estados Unidos son nuestro territorio más pequeño. Ni siquiera es un concurso. Pero estamos tratando de arreglar eso. Estamos tratando de mostrar a la gente en los EE.UU. quiénes somos. Si les gusta el metal, dennos una oportunidad, ¿saben?”  

- Richard Bienstock. 

 

Sé que eres grande en lo que respecta a cocinar diferentes tipos de cocina. ¿Cuál es tu platillo favorito para preparar? – Shawn Kaling

Es un empate entre las carnitas mexicanas y la feijoada brasileña. Y la feijoada fue originalmente un platillo para esclavos. A los esclavos se les daba las sobras de los restos de cerdo o res que sus dueños no querían, y ellos tenían que ver la manera de cómo ser creativos con esos ingredientes. Los hervían por horas, si no es que por todo el día, junto con cosas como frijoles negros – cosas que eran baratas o se les daban. Así que es un tipo de cocina y un platillo surgido por la necesidad. Y gradualmente se volvió el platillo nacional de Brasil. Me gusta que es algo que surgió en los tiempos difíciles y se volvió algo hermoso y culturalmente amado. 

Como un apasionado de la cocina [foodie] al igual que tú, ¿dónde es el mejor lugar del mundo donde recomendarías comer? – Jordan Rickett

Diría que el país más grandioso para comida es Japón. La primera vez que uno va a Japón, y tienes esa primera inundación de vistas, sonidos, olores, luces, y una cultura con la que no estás realmente familiarizado… si ya han visto “Perdidos en Tokio” [Lost In Translation], es similar a eso. Así que les digo a todos: La primera vez que vas a Japón es algo así como un renacimiento. Vas a pasar una noche muy dura, porque llegarás después de haber estado despierto por 30 o 40 horas, y tendrás un choque cultural. Pero usualmente en un día o dos estarás listo para comenzar a caminar al azar y entrar a pequeños restaurantes que sirven ramen y sólo señalarás algo en el menú… ¡porque no serás capaz de leer o hablar el idioma! Pero ni siquiera importará – Japón es uno de los pocos lugares donde puedes elegir algo completamente al azar y típicamente darás con algo sorprendente cada vez. 

¿Qué fue lo que te llevó al jiu-jitsu?Jon Robertson

De hecho, probar la feijoada en Brasil es lo que me llevó a interesarme en el jiu-jitsu brasileño. Probé la comida, y disfruté tanto mi estancia en Brasil y amé tanto a la gente y la cultura de allá que me dije a mí mismo, ‘¿Qué hacen los brasileños? ¿Cómo puedo ser más como ellos?’ Y eran el soccer o el jiu-jitsu. ¡Así que me decidí a probar lo más difícil! 

¿Cuál es tu artista de artes marciales mixtas favorito?Mike

Actualmente es [el Campeón Peso Mediano de la UFC] Chris Weidman porque como que él salió de la nada. De repente ves a este tipo que tiene este gran récord, que es novato, y que pelea contra quien quizá es el peleador de artes marciales más grande de todos los tiempos [Anderson Silva], no sólo una vez sino dos – y lo derrota dos veces. Ambos fueron casos raros, pero aun así fueron ganes. Otra persona que me encanta es [la Campeona Femenil de Peso Gallo de la UFC] Ronda Rousey. Su récord es increíble y ella es una gran peleadora – confidente y siempre manteniendo su posición. Esos dos son absolutamente increíbles y me motivan a hacer lo mejor que puedo. 

¿Cuál es tu leyenda japonesa favorita? – Ismaele Sacco

Tengo algunas. Supongo que la más significativa es la que tengo tatuada en mi brazo izquierdo. Es la historia de la demonio Ibaraki enfrentando al samurai Watabe no Tsuna en la Puerta Rashomon. En la historia, el samurai es el único que se enfrentará contra esta demonio que está aterrizando a la ciudad. Watabe no Tsuna rebana el brazo a la demonio Ibaraki, e Ibaraki huye. Años después aparece una anciana para ver a Watabe no Tsuna y le pide ver el brazo. Cuando el samurai le presenta el brazo, la anciana lo toma y se transforma en la demonio Ibaraki y desaparece para siempre. Nadie ve a Ibaraki otra vez en el folclor japonés. Y la razón por la que esta historia es significativa es que, en Trivium, yo quería tener una mascota – algo similar a Eddie [de Iron Maiden], o el cráneo de Misfits. Así que le pedí a mi tatuador, Kahlil Rintye en Tattoo City, que hiciera su representación de cómo se vería la mascota cráneo tipo Misfits/Motörhead si fuera el cráneo de Ibaraki. Después que él hizo eso, pedimos a un fabricante de disfraces que hiciera una máscara con su dibujo de Ibaraki, y eso es lo que está en la portada de ‘Silence In The Snow’. 

¿Cómo va tu proyecto alterno de metal extremo, Mrityu? ¿Hay algunos detalles que puedas mencionar, como el estilo de rifas, o para cuándo podemos esperar escucharlo?Lee Alacoque

Mrityu inicialmente se tenía pensado que fuera una banda de black metal de la que nunca iba a mencionar que yo era parte. Yo iba a hacer la música, e iba a ser muy fiel al estilo de la segunda ola del black metal – algo así como Darkthrone, lo primero de Dimmu Borgir, lo primero de Emperor. Pero aunque Mrityu tiene sus raíces en el black metal, se convirtió en algo más. No es sólo black metal – es algo que siempre quise probar. Ihsahn de Emperor lo va a producir, y él ha co-escrito varias canciones conmigo. También lo grabaremos en Notodden, Noruega, donde se hicieron todos los discos de Emperor. Es sólo cuestión de ver cuándo. Ihsahn está increíblemente ocupado y también Trivium. Pero él y yo estamos en contacto y nos pasamos cosas de ida y vuelta. Y tenemos algunas canciones compuestas y algunos demos. Será un sueño hecho realidad cuando suceda. 

Has declarado que no te consideras a ti mismo como un gran cantante. ¿Cómo has entrenado tu voz con los años? – Sudha Reynolds

No soy un gran cantante, pero creo que realmente nadie domina algo. Cuando tenía 12, logré entrar a Trivium y sólo era el guitarrista. El vocalista original renunció luego de dos meses, y me pusieron de vocalista principal porque no podíamos encontrar a nadie más. Pero al ser un chico de 13 años, a esa edad tu voz no suena muy bien para el canto. La única cosa que funcionaba era gritar. Así que éramos una banda de tres miembros que sonaba al thrash de la vieja escuela con gritos. Y fueron años de desarrollo. 

Luego hace un año y tres cuartos dañé mi voz en el festival Rock On The Range. El primer mensaje de texto que recibí luego que eso pasó fue de Matt [M. Shadows] de Avenged Sevenfold. Él dijo, “Oye hombre, lamento oír lo que le pasó a tu voz. ¿Hay algo que puedo hacer para ayudar?” Me quedé asombrado y le pregunté, “¿Qué hiciste cuando te lastimaste la voz?” Así que me puso en contacto con su maestro de canto, Ron Anderson, y desde entonces él me ha estado ayudando a construir mi voz. Siento que he aprendido más de mí mismo como cantante en el último año que lo que hice en los 16 años antes de eso. 

¿Cuál es una experiencia musical favorita que nunca olvidarás? – Rob McMorran

Un momento destacado en nuestra carrera como Trivium tendría que ser el Download Festival en el 2005. Nos movieron del quinto o sexto escenario a mitad del día a abrir el escenario principal a las 11 de la mañana. Y recuerdo que eran como las 10:59 y yo estaba mirando la mancha de color verde más grande y campo lluvioso que había visto en mi vida. Luego nuestro intro comenzó, y como escena sacada de ‘Corazón Valiente’ [Braveheart], 40 mil personas estaban corriendo por la colina para venir a ver nuestro set. Apenas y recuerdo haber tocado el set, pero obviamente nos fue muy bien. En el Reino Unido todavía se considera como uno de los momentos más grandiosos de festivales de los últimos 10, 20, 30 años del metal. Así que fue algo grande.  

¿Has tenido algún percance loco en el escenario?Joe Apuzzo

Oh, sí. Las palabras me han salido chillonas. He arruinado la pronunciación de mis ‘r’ y ‘l’ – lo cual es un estereotipo asiático pero me pasa a mí, incluso cuando no hablo japonés. Me he caído en el escenario. A Paolo le disparó un cañón de CO2 de pirotecnia. Nos ha pasado de todo. Pero lo que me gusta es que no somos el tipo de banda que deja que eso afecte su actuación. Siempre me carcajeo cuando veo bandas que tiran mierda a los que manejan sus monitores, o que tiran guitarras o las rompen. Si hay algún problema o sucede alguna cuestión técnica, dile a la audiencia y arréglalo. A la gente le gusta ver que sus bandas son humanas, porque todas lo somos. Nadie es un superhéroe. Sólo somos personas que han elegido diferentes opciones de carrera. Así que me enorgullece el hecho de que somos una buena banda con “dificultad técnica”.  

De todos los riffs que has compuesto, ¿cuál es el que te afecta más tus emociones?Adam Wilson

Esa es una buena pregunta. Rara vez me preguntan cosas que no me han preguntado antes – ¡pero esa es una que nunca me habían preguntado! Supongo que en este momento diría que el riff de la melodía principal de “Silence In The Snow.” Simplemente debido al hecho de que el riff y la canción han pasado la prueba del tiempo, y resurgieron ocho años después de haber sido escritos. También, la primera vez que tocamos esa canción fue cuando fuimos líderes de cartel del Bloodstock Festival [en el Reino Unido] hace algunas semanas, y de hecho estábamos tocando en el escenario Ronnie James Dio. Así que siento como que se cerró el círculo. La canción fue inspirada en Dio, y pudimos debutarla en un escenario que llevaba su nombre. Y estamos rindiendo tributo apropiado al metal. 

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Oct 19, 2015
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Source: The Story And Sound Behind Silence In The Snow

“Silence In The Snow”: arte y orígenes de la canción

– Matt Heafy

La nueva mascota-cráneo de Trivium, "Ibaraki" se deriva de la vieja historia japonesa de Ibaraki contra Watanabe No Tsuna.

En la historia, Ibaraki está aterrorizando la puerta de la ciudad de Rashomon, y sólo un guerrero se enfrenta al demonio para vencerlo de una vez por todas. Watanabe No Tsuna rebana el brazo del demonio y el demonio huye de Rashomon. Años después, una anciana visita a Watanabe y pide ver el brazo; cuando la anciana pone su mano en el brazo, ella se convierte de nuevo en Ibaraki y una vez más huye, esta vez, para siempre.

La idea fue hacer que mi tatuador Kahlil Rintye (de Tattoo City en San Francisco) creara el cráneo Oni de Ibaraki. Kahlil creó el diseño inicial y para Silence llevamos el boceto a Vincent, un fabricante de disfraces y máscaras que hizo el blindaje en la película Dogma. Vincent creó la máscara Oni real de Ibaraki, y eso es lo que Jon Paul Douglass fotografió para la portada del álbum de Silence.

La canción "Silence In The Snow" se inspiró en la noche que vimos Heaven And Hell en vivo en Japón. Inmediatamente después del set, todos pudimos conocer a Dio – todos pudimos comprenderlo y charlar con él sobre cosas de metal y música. Dio fue uno de los músicos más acogedores y humildes que hemos conocido. Comenzamos a escribir "Silence " después de esa noche, en el año 2007; la canción fue pensada inicialmente para que estuviera en el álbum Shogun.

El título de Silence se deriva de la serie de la historia japonesa de Suikoden, específicamente la historia de Yuki No Danmari. Yuki No Danmari se puede traducir para que signifique “Silence In The Snow” (Silencio en la nieve). La obra de arte real de Yuki No Danmari representa a dos guerreros tatuados que pelean en un entorno nevado. Esta fue la pieza que inspiró el nombre de la canción en sí.

Sentimos que Silence como álbum no sólo captura la mezcla del metal moderno y clásico, sino también combina adecuadamente los mundos del arte clásico y contemporáneo; utilizando enfoques modernos y representaciones del arte clásico histórico e historias japonesas.

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Según la leyenda, en el siglo 10 del Periodo Heian en Japón, Ibaraki- dōji, un Oni notorio, residía en la puerta Rashomon en Kyoto. Ibaraki- dōji acosaba a la gente que trataba de pasar a través de la puerta Rashomon hasta que un samurai heroico llamado Watanabe No Tsuna, un retenedor leal de Minamoto no Raiko, fue a someter al cruel Ibaraki-doji. Cuando Tsuna llegó a la puerta Rashomon fue atacado por Ibaraki- dōji. Sin embargo, Tsuna era un espadachín fuerte y valiente que fue capaz de defenderse contra el ataque feroz por el oni Ibaraki- dōji. La batalla se prolongó hasta que Tsuna sacó su katana y cortó el brazo del demonio. Gritando de dolor Ibaraki-dōji huyó de Tsuna, dejando su brazo cortado en la puerta Rashomon. Tsuna tomó el brazo de Ibaraki-dōji como trofeo. Cuando llegó a su casa en su mansión envolvió el brazo cortado y lo guardó en un cofre. Unos días más tarde, una mujer mayor que parecía ser Mashiba, la tía de Tsuna, vino a visitar a Tsuna. Durante la conversación, la tía de Tsuna le pidió a su sobrino que le contara cómo luchó con el demonio, y cuando Tsuna mencionó que tenía el brazo cortado en su poder su tía tuvo curiosidad y pidió verlo. El incauto Tsuna, sacó el cofre que tenía el brazo de Ibaraki-dōji dentro y cuando sacó el brazo del cofre, su tía se reveló como Ibaraki-dōji disfrazada, agarró el brazo y escapó de la mansión de Tsuna. Tsuna se asombró de que Ibaraki-dōji se había hecho pasar por su anciana tía Mashiba y no la persiguió. Sin embargo, incluso después de recuperar su brazo, Ibaraki-dōji nunca volvió a habitar la puerta Rashomon de nuevo.

Historias de “Silence In The Snow”
– Paolo Gregoletto

Silence in the Snow

Nos metimos a un pequeño vestidor en el Academy en Glasgow a principios de 2014, estábamos de gira con nuestros amigos de Killswitch Engage pasándola increíble. Creo que la emoción de esa gira como que encendió la chispa creativa una vez más. La necesitábamos más en ese momento que lo que la gente probablemente notó, habiendo pasado algunos momentos amargos en la anterior gira en Estados Unidos, fue algo así como un salvador la banda.

En fin, estábamos tocando nuestros demos en los altavoces Bose en nuestra habitación y fuimos hasta el final de la lista, y luego alguien puso los viejos demos, los huesos de canciones que nunca utilizamos.

"Silence in the Snow" estaba allí una vez más. Fue una especie de canción de culto entre los Trivium Worlders, por lo que su presencia había existido y siempre fue una opción que nunca se había sentido como la indicada en el momento. Todo cambió esa noche, tal vez fue la combinación de tener canciones en siete cuerdas una vez más y la energía de un show agotado que nos esperaba, pero simplemente conectó y había llegado el momento de dar su oportunidad a la canción.

Blind Leading the Blind

El riff del intro de esta canción fue una oda a nuestro pasado. Me senté con la intención de escribir un riff que podría haber fácilmente tenido cabida en Ember to Inferno o Ascendancy. Siempre hemos llevado a casa el mensaje de empujar los límites y llevar nuestro sonido a nuevas direcciones, pero siento que si uno no recuerda sus raíces de vez en cuando, entonces es fácil perderse.

Uno sólo vive en la sombra de un álbum si intenta escribir el mismo una y otra vez.

Esta canción fue diferente; yo tuve la idea que iba a empezar las cosas como algo que solía hacer y terminar en un lugar totalmente nuevo. Las voces del verso y el riff fueron un producto de nosotros practicando y Elvis ayudando a guiar los cambios de acordes en la dirección correcta para que melódicamente las voces fluyeran muy bien.

El pre-coro fue diferente a cualquier parte de la historia de la composición de Trivium y mintiera si dijera que no estaba pensando en lo que haría Tony Iommi cuando compuse la pieza. De hecho fue una parte fácil que fue más difícil de grabar que componer, y si uno no le da el swing correcto entonces no se sentirá bien. Creo que cada uno de nosotros tuvo que repasar esa parte específica algunas veces en la grabación para dar bien en el clavo.

Esta canción tiene algunas de mis secciones favoritas de solos. Corey está disperso por toda esta canción con sus melodías y shred, y creo que realmente llevó la pista al siguiente nivel cuando puso su marca en esta canción. Y ese es realmente el caso para la mayoría de las canciones que yo traigo: les dejo espacio para las líneas melódicas que Corey compone y lo que preveo que Matt hará vocalmente.

Dead and Gone

A Matt le pidieron que "compusiera en secreto" ("ghost write") una canción para el álbum de una banda nueva. Cuando nos mostró el demo inmediatamente me enfoqué en el tono, que era más bajo que nuestro habitual tono para siete cuerdas (Bb estándar), y me di cuenta de que era la séptima cuerda afinada todo un paso más baja. Sonaba pesada e hizo que un simple riff con groove sonara intenso.

Avancemos rápido unas semanas más tarde y yo estoy haciendo un poco de composición en casa y me quedo estancado. Estoy cansado de las canciones habituales en 6 cuerdas y nuestras afinaciones estándar. Así que lo suelo hacer cuando llego a esta etapa del bloqueo del escritor, digo “a la mierda”, y pruebo algo fuera de lo ordinario, y fue entonces cuando afiné mi guitarra de siete cuerdas en el tono MKH/GhostWriter y lo primero que se me ocurrió fue el riff principal de "Dead and Gone".

No es la mejor afinación para canciones rápidas, pero para un groove a medio tempo y un tono fuerte, funciona a las mil maravillas. Es sin duda uno de los aspectos más destacados del álbum para mí, es como nada que hayamos hecho y empuja el sonido de Trivium un poco más a los bordes.

Tuvimos el estribillo de "Dead and Gone" mucho antes de la grabación real, creo que se nos ocurrió una noche en la parte trasera del autobús en Mayhem. Sin embargo, el contenido global del tema y las letras no se habían enfatizado sino hasta el día que Matt grabó las voces. Escribimos casi el 80% de la letra de esa canción dentro de una hora antes de comenzar a grabarlas, y yo diría que fue una ocurrencia común con este disco: Llegar al estudio con las canciones terminadas, refinarlas o reescribir mejores, y luego grabar.

Recuerdo que Matt leyó las letras que tenía y nos sentamos y pensamos por unos minutos y yo sentí como el mensaje general ya se había dicho en una canción anterior. Así que fuimos de un lado a otro en lo que podría ser una mejor idea, argumentando a favor y en contra de cambiar partes, y en última instancia el desacuerdo se dio en el lugar perfecto. Cambiamos el enfoque desde una fuente externa a nosotros mismos.

"Dead and Gone" trata sobre llevar un legado, de ser capaz de luchar por lo que uno cree y por aquellos que vinieron antes que uno. Como banda, uno lleva una responsabilidad de transmitir lo que ha llegado antes. Cuando escribo un riff o una línea de bajo a menudo pienso en eso, ¿es digno de las bandas que crearon este género? Muchas veces no está en mi opinión, pero siento que si uno se empuja a cumplir con esa norma se está obligado a llegar a ella de vez en cuando.

El motivo secundario es sobre el temor de ser olvidado. La música que hacemos ahora será por lo que seremos recordados y eso me asusta mucho. Es nuestra única oportunidad de decir algo y darnos a conocer entre, una vez más, las grandes bandas que allanaron el camino para que nosotros estuviéramos aquí. Uno puede llegar a ser tan consumido con el presente que a menudo se olvida por lo que se ha pasado y cómo ha cambiado eso el tiempo, cómo los álbumes y canciones son vistos de manera diferente cada año que pasa. Así que por el contrario, pensamos en ¿cómo se verá nuestra música en el futuro? (Esta es también una razón por la que utilizamos parte del estribillo de "Shogun" como una llamada y un tipo de respuesta para el pre-coro.)

The Ghost That's Haunting You

Esta canción fue extremadamente colaborativa en el departamento lírico. El título original de trabajo era "I Find A Way to Fall" y Corey había echado algunas ideas para que la canción fuera acerca de alguien que, sin importar lo mucho que tiene a su favor, siempre parece arruinar oportunidades o echarlas a perder.

A medida que la canción se desarrolló en la pre-producción y finalmente en la grabación, creo que nos dimos cuenta de que queríamos reforzar esa idea y refinarla un poco. Nos pusimos de acuerdo en hacer que tratara sobre esa voz interna o persona, tal vez un demonio interior. Veo la canción como una especie de diálogo interior entre uno y lo que está impidiendo vivir la vida de la manera que uno desea también.

Este fue otro caso de Matt y yo sentados en la sala de control con la canción reproduciéndose una y otra, parte por parte, re-escribiendo o creando nuevas letras. Se me ocurrió la idea de la línea de "The Ghost That's Haunting You" mientras estaba sentado en la parte posterior de la sala mientras Matt estaba grabando. Sentí que estábamos 99.9% allí con todo, pero necesitaba ese gancho que lo uniera todo. Definitivamente se ha convertido en un track destacado para mí, y me gusta saber que realmente requirió de un trabajo colaborativo para terminar la letra.

La sección central de esta canción fue construida en nuestro lugar de práctica. Corey trajo casi todo, pero creo que en algún momento decidimos que necesitábamos tocarla y sacar algo nuevo para esa sección. Elvis realmente enfatizó el hecho de hacer estos puntos de solos casi en una canción por sí mismos, y si soy totalmente honesto, creo que como que pasamos por alto ese aspecto por un tiempo.

Cuando Matt no canta, es necesario que haya un riff rudo o un solo que se haga cargo de la canción. Creo que en esta sección del puente tenemos tanto un riff que honra a King Diamond y uno de los mejores momentos de Corey, un montón de shred, pero lo más importante es que es memorable. ¡Uno puede cantar y hacer guitarra de aire con esta mierda! Y eso viene de un bajista, porque nada me pone a dormir más rápido que un solo de guitarra que parece un ejercicio sin valor.

Pull Me From The Void

Esta canción fue el último tema que trabajamos en pre-producción. También cuenta con el distinguido honor de ser la única canción hecha de dos demos separados – uno de mí mismo y uno de Corey. No voy a decir qué partes fueron hechas por quién, pero estaría interesado en ver si adivinan.

El coro tiene que ser uno de mis favoritos debido al ritmo, de nuevo un giro a la parte que abre un enfoque vocal diferente. Hemos utilizado ese sentir en canciones como "Into the Mouth of Hell" e "Inception of the End", pero esto fue de principio a fin en esa sensación. Las voces tenían que seguir el riff y con ello. Recuerdo que Elvis estaba cantando una melodía al riff principal (y eventualmente el coro) que yo tenía y a Matt ocurriéndosele cada palabra de "Pull Me From The Void", excepto la palabra "pull". No puedo recordar cuál palabra era, pero recuerdo que pensé que era demasiado pasiva, especialmente si uno pide la ayuda de alguien para sacarte de una situación. Sugerí usar "pull" en su lugar y creo que en última instancia impactó mucho más.

"Pull Me From The Void" es una petición de ayuda, se trata de estar ya sea en una mala situación, o en algún lugar que no es el ideal en la vida y pidiendo una influencia externa para salir de ella. Uno puede insertar tantos escenarios aquí, pero de nuevo, sólo podemos componer sobre lo que sabemos, y en una banda uno puede encontrarse en un lugar donde simplemente no encaja, o que sabes que ya no es el adecuado para ti y que se tiene que tratar de escapar antes de que sea demasiado tarde.

Until the World Goes Cold

Este fue otro momento ambicioso para mí. Yo tuve algunas ideas extrañas de mezclar las siete cuerdas con partes acústicas y hacer algo muy diferente al resto del álbum. Si muestro el demo o desmonto las voces de la pista final es definitivamente un asunto simple, pero esa no fue la intención en absoluto. Quería capturar un ambiente que se sintiera como anhelar algo que estaba cerca o tal vez siempre fuera de alcance.

Esta canción es acerca de nuestra banda y lo que significa estar en una banda. Creo que si le preguntan a cada uno de nosotros lo que significa personalmente, es posible que obtengan una respuesta ligeramente diferente, pero la historia en general es desde nuestra perspectiva.

Es una canción para cualquier persona que alguna vez trató de vivir un sueño o establecer una meta e ir por ella.

Se trata de sacrificios personales hechos sin saber que todo valdrá la pena al final.

Uno puede optar por mantener el rumbo y aceptar que no se puede tener todo. No creo que sea una canción triste, pero que está destinada a ser sobre ese viaje hacia lo que sea que uno elige en última instancia, y eso no siempre es un camino fácil.

Rise Above the Tides

Corey trajo esta canción al ensayo y realmente la trabajamos para volverla una canción monstruosa. Un gran enfoque para este disco fue encontrar el ritmo adecuado y dejando espacio para crear un gran álbum en cuanto a sonido, sobretodo en términos de gama baja. Terminamos deconstruyendo el riff del verso un poco y le permitimos construir. Creo que la colocación en el orden del álbum fue perfecta. Le sigue a "Until the World Goes Cold" y creo que el mensaje y la melodía se sienten más optimistas y en cierto modo alivia el tono sombrío.

Una vez más, esta canción tiene una gran sección de solo y, probablemente, el más largo del álbum. La afinación cambia, el sentimiento, la doble melodía y líneas vocales, todo se transforma en un punto bastante alto para este álbum.

The Thing That's Killing Me

En la víspera de una gira (no recuerdo cuál ) me di un reto sencillo: Escribir un riff y volver a terminarlo después. Así es como el riff principal de la canción entró en existencia. Es raro separar así sesiones de escritura, pero se trata de probar nuevos métodos cuando ya no se me ocurren ideas. He tenido canciones que salen de mí como yo estuviera destinado a escribirlas, y he tenido algunas que realmente me desafiaron – en realidad algunas que me han molestado sobremanera y me han hecho cuestionarme por qué trato de escribir música.

Este fue un buen cambio de ritmo. Componer un riff sólido, volver y llenar los espacios en blanco cuando fuiste privado plenamente de las habilidades de componer en la gira, algo que he hecho a propósito, a menos que sea absolutamente necesario hacerlo. Todo salió a la perfección y creo que me lancé directamente a hacer la canción más acerca de las líneas de bajo que las de la guitarra para empezar. La línea de bajo del pre-coro impulsa la melodía en la música mientras que las guitarras tocan las notas de raíz y acordes.

Beneath the Sun

Esta canción estaba por descartarse en la sesión de la escritura. Pasó por muchas variaciones y diferentes afinaciones. Creo que la incertidumbre de la existencia de la canción terminó haciendo su camino hacia la letra sin darnos cuenta en ese momento. Es una canción acerca de no perderse a sí mismo y a su identidad. Es curioso cómo la canción pasó por exactamente el mismo problema.

Tuvimos un fin de semana libre de la pre-pro con Elvis y yo sabía que el ambiente en general era que esta canción estaba bien hasta la mitad. Entonces como que no fue a ninguna parte y no se nos podían ocurrir las piezas adecuadas. Nosotros nunca estamos cortos de riffs e ideas, pero esto simplemente nos dejó perplejos y, finalmente, hay que hacer el recorte si no está funcionando.

Yo creí lo suficiente en la canción para decirle a Elvis y los otros chicos que me dieran la oportunidad de probar ideas durante el fin de semana: si volvía con algo, bien; si no, sabía que esta canción iba a ser desechada. Mi viaje de regreso al sur de Florida fue de tres horas, pero con un problema sin resolver se sintió como un viaje de 12 horas. No puedo soportar cuando hay algo mal y no tengo ningún medio para abordar la cuestión. Lo primero que hice cuando llegué a casa fue tirar mis maletas en la esquina, iniciar Logic, y volver al trabajo.

Cuando volvimos a estar juntos el lunes siguiente toqué el recién re-trabajado demo y todos sintieron la vibra, para mi alivio, y mostré a Matt y Corey el nuevo riff y terminamos creando una nueva parte poco después de atar el tema. Es increíble la cantidad de tiempo y esfuerzo que puede ir en una parte tan corta como 30 segundos.

Breathe in the Flames

"Breathe" fue la última canción a la que hice demo antes de que empezáramos nuestra pre-producción. Nos habíamos encontrado con Elvis y realmente me gustaron muchas de sus ideas y conceptos para componer canciones, utilizando cambios en el tono y "puntuación" con paradas para mejorar las transiciones a través de la canción. Es muy fácil perderse en simplemente hacer riffs y perder de vista esos pequeños detalles que al final HACEN la canción. La canción necesitaba un poco de trabajo en el puente, pero esas partes siempre funcionan mejor en situaciones de composición donde nos vemos las caras. Mi trabajo consiste en hacer alrededor del 50-75% y dejar que los otros chicos lo lleven más lejos o planteen mejores ideas.

Las letras en el coro resumen la totalidad de esta canción muy bien: "The ones that build you up can burn you down the same." ("Los que te construyen también pueden quemarte"). He experimentado esto en cada nivel como banda, local hasta el internacional. Creo que siempre es bueno recordar que las personas tienen sus propias agendas en la vida, y uno tiene que darse cuenta de que las mismas personas te propulsarán y derribarán por las exactas mismas razones – ellas mismas. Si uno puede sobrevivir la experiencia una vez, puede hacerlo de nuevo, y después de un rato te dará un poco de confianza.

Inspiraciones Adicionales

El libro de Tony Iommi - "Iron Man" ~ Paolo Gregoletto

La lectura se ha convertido en la manera en que lleno mis momentos aburridos estando de gira – volar durante 12 horas, sentado en Medio de la Nada en EE.UU., o simplemente tratando de tomar un respiro de la vida autobús. Tengo un amor por muchos géneros, pero uno de los más evidentes para mí es la biografía de las bandas o memorias. Por suerte había comprado una copia del libro de Tony Iommi el año pasado mientras estábamos de gira, y si bien tuvo todo el libertinaje e historias del rock n’ roll que uno podría desear, tuvo un profundo impacto real en mí para la composición de este disco y también dio una gran perspectiva de lo que significa hacer esto para el largo plazo.

Tony es el cimiento para componer riffs en la música metal. Ha sido prolífico a través de cada década que ha estado activo, ha hecho marca con algunos de los cantantes más grandes del género, y, francamente, todos debemos nuestros trabajos a ese hombre que decidió dar un giro hacia un enfoque más oscuro a la música rock. Uno puede sentir que le encanta escribir riffs y música, y creo que el libro sólo me empujó de vuelta a mis propias ideas y me hizo querer pensar un poco más sobre cada una.

Su perseverancia a través de cada fase de Black Sabbath fue increíble. A través de todos los obstáculos mantuvo ese barco pasando por las tendencias, a través de momentos de falta de inspiración, a través de mala prensa, mala sangre, y todo lo que una vida en la música pueda arrojarte. Su historia te dice que tienes que luchar por esto porque las probabilidades están en tu contra. En segundo lugar solamente a aprender "Iron Man" en guitarra, yo diría que este libro tuvo un impacto muy profundo en mí como músico, y la verdad es que reafirmó mi creencia en tocar metal y música rock. Este estilo de vida no es para todos y creo que por eso me encanta.

La Mezcla Clásica/Moderna

El sonido de Trivium es muy simple de definir, es la mezcla de metal clásico y moderno. Lo que es clásico es siempre una constante, y lo que es moderno es siempre la variable en nuestro sonido. Creo que nos llevó casi 10 años y siete álbumes para entender realmente eso, pero viendo lo que hemos hecho, creo que eso resumiera cada álbum. Los hace únicos y, a veces funciona perfectamente, a veces pierde la marca, pero siempre nos adherimos a esa forma de pensar y al tema general en nuestra composición con la esperanza de que podamos crear algo que se sienta a la vez conocido y totalmente nuevo todo en una canción y a través de todo el álbum.



Oct 12, 2015
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Source: HOW MATTHEW KIICHI HEAFY OF TRIVIUM FINDS MUSIC & BJJ AS OUTLETS FOR LIFE 

¿Cuánto tiempo has estado tocando y yendo de gira con Trivium? ¿Y entrenando jiu-jitsu?
Al principio el cantante y guitarrista original de Trivium me pidió hacer una prueba para Trivium después de participar en el concurso de talentos del octavo grado. Toqué "No Leaf Clover" de Metallica; la canción con la que hice la prueba para Trivium fue "For Whom The Bell Tolls" de Metallica. Me uní a Trivium en 1999, comenzamos a tocar en shows locales de inmediato, y comenzamos a ir de gira internacionalmente en 2003.
Empecé a entrenar jiu-jitsu brasileño en Gracie Barra Orlando, bajo Marcio Simas y Gustavo Mugiatti el 13 de marzo de 2013.

¿Cuáles son las mejoras más grandes en tu vida desde que comenzaste tu entrenamiento?
El jiu-jitsu brasileño me ha recordado una vez más lo que significa construir algo desde cero hacia arriba. Habiendo tocado la guitarra y cantado desde que tenía 12/13 años de edad, es todo lo que he sabido hacer – definitivamente no recordaba más lo que significaba construir algo completamente nuevo a partir de nada. El jiu-jitsu brasileño me mostró por segunda vez en la vida lo que es poner un verdadero régimen en mi vida; me mostró lo mucho que realmente toma con trabajo duro y tiempo constante y esfuerzo el progresar en algo.
El jiu-jitsu brasileño es una de las más grandes metáforas a un microcosmos de toda la esperanza de vida de la vida humana que se me ocurre. Al llegar a él sin ningún antecedente formal de deportes o artes marciales, se entra despistado a la vida – como un bebé, eventualmente se aprende a aprender y aprender qué más puedes hacer en tu camino para promover el amor a algo en el que uno trabaja diario. Se aprende a caer, luego a gatear, luego a caminar, y después a crear.

¿Tus opciones de vida cambiaron estando de gira desde que comenzaste a entrenar y con el levantamiento de pesas?
Absolutamente. Desde la secundaria hasta que gravemente me lastimé la espalda baja levantando pesas (porque un mal entrenador en la secundaria me enseñó de forma incorrecta, nada sobre fuerza en el centro del cuerpo [core], y nada de estiramiento o calentamiento), yo simplemente hacía levantamiento de pesas (pero sólo para fines estéticos). Después de la lesión, comencé a practicar bastante el Ashtanga Yoga en 2010; era todo lo que hacía de 5-7 días a la semana. La primera vez que fuimos de gira por Brasil, me encantó tanto el país que me dije a mí mismo: "Quiero hacer lo que los brasileños hacen." Eso era el fútbol soccer o el jiu-jitsu; y para mí, yo quise elegir la opción más difícil.
El 13 de marzo de 2013 me uní a Gracie Barra Orlando y no he mirado atrás.

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Una vez que recibí mi cinturón azul, decidí competir (pensando que entendía el deporte y lo estaba haciendo bien). Cuando fui derrotado en mi primer encuentro (12-0 con una llave de estrangulación desnuda), me mostró que yo no sabía nada de BJJ y que tenía que dedicarme aún más al amado deporte. Gracias a la orientación no sólo de mis profesores, sino de mis queridos amigos y entrenadores, comencé a agregar levantamiento de pesas y yoga a mi estricto y al 100% dedicado estilo de vida de BJJ. Gracias a mi entrenador de fuerza y acondicionamiento Derek Simonds, mi entrenador de levantamiento de pesas Dave Coughlin, mis colaboradores más cercanos Brian, Nicolas, Lawrence, y Minh – fui capaz de intensificar mi juego más que nunca (todos los nombres mencionados son también mis compañeros de equipo en GBO).

¿Cómo mantienes tu entrenamiento estando de gira tocando para Trivium? ¿Estás enseñando a otros miembros de tu banda y equipo en la gira?
Cuando vamos de gira, viajamos con tapetes de 10x10 pies y muchos Gi; tanto en Europa como en América. Mientras estoy fuera, me siento muy afortunado de tener varios amigos que me acompañarán durante días específicos o por varios días para ayudarme a mantener mi entrenamiento. Enseño a mi tour manager/técnico principal, al técnico de guitarras y roadie mientras vamos de gira. También he enseñado a nuestro baterista Mat un poco de BJJ. En esta actual gira por EE.UU., soy bendecido por tener con nosotros a Andre Tieva, luchador profesional de de MMA – estamos entrenando todos los días, trabajando en todos los aspectos de nuestro juego de BJJ.
Además de tapetes y Gi, viajamos con pesas ajustables, banco de pesas, tapete de yoga, cojines y equipo de Muay Thai Kickboxing y otros accesorios para hacer ejercicio, así que podemos entrenar en cualquier lugar.

Ustedes han escrito canciones sobre temas profundos como el suicidio. La catarsis adjunta a escuchar música heavy metal, a menudo definida por letras negativas, se dice que conduce a emociones positivas, a una liberación. ¿Crees que abordar un tema cultural tan fuerte es un paso en la dirección correcta?
Absolutamente. Para realmente abordar los aspectos más oscuros y difíciles de la vida, es necesario atacarlos directamente. Bailar alrededor del sujeto, siendo poco claro con los motivos, o fingiendo que todo en la vida va a estar bien con el tiempo, o que todo en la vida es una fiesta (como el pop parece retratar) es irresponsable. No estoy diciendo que todo tiene que ser intenso en todo momento, pero para que podamos ser seres humanos equilibrados, hay que reconocer que todos tenemos problemas y con el fin de conquistar esas cuestiones – deben ser reconocidos y hay que trabajar en eso.
Me parece que tomando los aspectos negativos de la vida y poniendo esa negatividad en algo como la música es el camino ideal. Para evitar dañarse a uno mismo u otros a nuestro alrededor, me parece que todas las personas necesitan una salida física (algo positivo como las artes marciales o levantamiento de pesas o yoga), y necesitan una forma de salida creativa o algo específico en qué "trabajar". No todo el mundo tiene que ser un poeta o músico adecuado, pero es de suma importancia que seamos capaces de hacer frente a nuestros problemas de forma creativa. Yo utilizo la música. Con canciones sobre la violencia doméstica, la depresión, el suicidio – nuestras canciones no necesariamente tienen un evidente "final feliz" en las piezas. La positividad está en el hecho de que yo fui capaz de desviar algo perjudicial para mí mismo y colocar esas energías en algo creativo. Mi música está aquí para ser el saco de boxeo, el hombro para llorar, el mensaje que muestra que las personas que pasan por momentos difíciles no son las únicas que pasan por esos tiempos. Quiero que la gente sepa que no está sola.

¿Puedes hablar acerca de tus experiencias con la depresión? ¿Afectó tu composición de canciones? ¿Tu entrenamiento?
La depresión es algo con lo que todos lidiamos. Afortunadamente, he tenido la música para que sea el vehículo que lo saque de mi sistema. No estoy diciendo en absoluto que estoy en paz todo momento del día y de la noche. He reconocido para mí que para ser equilibrado en la vida, hace falta un poco: BJJ, levantamiento de pesas, yoga, buena comida y bebidas con amigos y familiares, música, y ser capaz de ver el mundo. No puedo tener todo esto en una sola vez en un solo momento, pero tener un balance adecuado de todo en mi vida me parece mantener en el mejor estado físico y mental.
Siento que hay ciertas canciones nuestras que han completamente definido con exactitud lo que me ha plagado de vez en cuando en mi vida (y a veces esos "tiempos" son largos). "Strife" y "Suffocating Sight" se han asomado a lo que se avecina, una aplastante sensación de ansiedad social y paranoia y la duda en mí mismo; "Departure" y "Through Blood And Dirt And Bone" han profundizado en mi mente en su peor estado, cuando casi he renunciado a la vida; "A Gunshot To The Head Of Trepidation" es una canción sobre la violencia doméstica; "And Sadness Will Sear" es una canción escrita sobre Matthew Shepard, una víctima de un crimen de odio homofóbico; "Contempt Breeds Contamination" ataca nuestros problemas de racismo y discriminación racial que conduce a muertes inocentes. La extensión y amplitud de temas en nuestra música puede ser muy intenso, pero es lo que permite mantener mi mente sin preocupaciones – que puedo tomar estos hechos y acontecimientos absolutamente aplastantes y momentos de la vida, y volcar ese peso en algo que puede tomarlo: la música.

Creo que has abierto un camino para mostrar que sólo porque vives una vida donde el abuso de sustancias, la imprudencia y la falta de sueño y alimentos saludables son prevalentes, no significa que no puedas participar en un estilo de vida saludable.
Una de las cosas más grandes que he estado defendiendo en la vida es que cualquier cosa que cualquier otra persona haga es posible. Los Beatles lo dijeron mejor: "No hay nada que puedas hacer que no se pueda hacer." Trata de ir por más con las metas en tu vida, y nunca dejes que nada te detenga. Cuando tenía 12 años, dije que quería estar en una banda de metal que pudiera estar en un escenario como líderes de cartel, que pudiera cambiar el curso y la historia del Metal y la música; de ninguna manera estoy allí, pero voy a poner todo de mí mismo en los esfuerzos para alcanzar ese objetivo.

Sep 29, 2015
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Source: Rock Ur Life - Interview: TRIVIUM (24/08/15) 

Volviendo de un buen tour de festivales de verano, Matt Heafy (voz/guitarra) y Corey Beaulieu (guitarra/voz) de Trivium terminaron su viaje en Europa con una pequeña gira promocional cuyo último día tuvo lugar en París. Nos reunimos con ellos para hablar acerca de su séptimo álbum, "Silence In The Snow", que se publicará el 2 de octubre a través de Roadrunner Records. 

Hola Matt, hola Corey. Hace unos diez días, fueron líderes de cartel del Festival Motocultor con Opeth en Francia. ¿Cómo estuvo eso?Matt Heafy (voz/guitarra): Increíble. Fue un festival increíble para nosotros porque estamos tocando más en los festivales extremos y de metal y aquí no fue el más mainstream que normalmente hacemos. Es realmente un placer tocar junto con muchas de nuestras bandas favoritas en el planeta como Opeth – Opeth es una de nuestras bandas favoritas – SepticFlesh, KrisiunAlcest… Así que estábamos muy emocionados con eso.

¿No tienen miedo de alejarse de la escena del metal con este cambio musical?

Corey Beaulieu (guitarra/voz): Sólo somos un grupo de fans del metal que compone la música metal que queremos oír. Así que, independientemente de si es muy pesado o más melódico, nos gustan todos los aspectos de metal. Somos como estudiantes de la toda la escena. Nos gusta y conocemos la música extrema, conocemos el black metal, death metal, thrash metal, el metal tradicional y todas las raíces de donde todo procede. Nos encantan tantas cosas diferentes sobre metal, podemos poner lo que sintamos en nuestra música. La fundación del metal se construyó en gran voz melódica con música poderosa. Y ustedes saben, hemos hecho las cosas con gritos, y después de este tiempo en nuestra carrera, apenas pareciera como un nuevo camino a seguir o un nuevo reto creativo de estar inspirados para componer este tipo de música. Y desafiándonos a nosotros mismos a hacer algo diferente de lo que hicimos antes. No nos gusta que componer el mismo disco una y otra vez. Este álbum no suena como los otros álbumes pero [tiene] el sonido y la piel de lo que es Trivium, esto es como lo esencial de Trivium. Matt siempre ha tenido una voz muy distinta en todos los discos; incluso si hay un montón de gritos, siempre está el aspecto melódico de nuestro sonido que es siempre una gran parte de lo que somos. En los discos, se tiene más canto, menos canto, más gritos, menos gritos, sólo depende de cualquier cosa que requiera la música. Y con esta música, simplemente parece que no lo necesitaba porque es muy poderosa por sí misma y tiene su vibra única, ya que no tenía nada de gritos. Es una nueva frontera de donde podemos ir de manera creativa y se sintió muy bien.

¿Cómo fue la reacción del personal de Roadrunner cuando escucharon las primeras canciones del nuevo álbum?

M: Básicamente no dejamos que oyeran nada hasta que el disco estaba listo.
C: Fue una gran sensación cuando nuestro sello y managers tuvieron algo así como una reacción diferente. Dijeron que eran "cosas grandes", "un siguiente nivel". Para nosotros, no es otro álbum y esperemos que este disco nos consolide. Comenzó hace diez años y queremos comenzar los próximos diez años con un álbum realmente significativo.

Como parte de la promoción para el nuevo disco, fueron a Estocolmo (Suecia) para una sesión de preguntas y respuestas. ¿Cómo estuvo el evento?

M: Fue genial. Lo hicimos en las últimas giras pasadas también. Siempre nos ha gustado tener un foro abierto en el que podamos discutir con la gente que apoya nuestra banda. Hace poco di una conferencia en la universidad de la Florida donde discutí el tema del fracaso y el fracaso como una necesidad en la vida para tener éxito.

¿Podemos esperar tal cosa en París?M: Uno nunca sabe, realmente depende de la disquera meterlo en un momento de un día donde no hay show.

La letra de "Silence In The Snow" es de alguna manera contradictoria, porque por un lado hay nieve, el color blanco y, por otro lado, está la guerra, la sangre. ¿Cuál es la idea detrás de este "Silence In The Snow" ("silencio en la nieve")?

M: Una gran cantidad de canciones en el disco son mucho más directas que las canciones "Silence In The Snow" y "Blind Leading The Blind". Con "Silence In The Snow" es un conjunto de letras que empecé a escribir en 2007. Primero escribimos las canciones. Estábamos viendo Heaven And Hell en vivo en Japón con Dio y esta canción fue inspirada por esa noche. No hicimos uso de esas letras hasta 2013/2014. Y luego fue probablemente sólo un día antes de grabar las voces en el estudio que escribí la segunda estrofa y el puente de la canción. Con esta canción, algo que el oyente ve en la canción no es ciertamente incorrecto. Para mí, me gusta la idea de que sea una manifestación o un grito de guerra, pero también una especie de himno al que la gente pueda escoger su definición.

El intro "Snøfall" fue compuesto por Ihsahn. Se sabe que eres un gran fan de Emperor. ¿Cómo nació esta colaboración?

M: He sido amigo de Ihsahn por algunos años. Tuve la oportunidad de conocerlo a través de amigos mutuos. Con los años, hemos descubierto que los dos tenemos los mismos intereses en el mundo del metal. Los dos nos unimos a nuestros grupos más o menos a la misma edad. Creo que él tenía 14 años cuando se unió a Emperor y yo tenía 13 años cuando empecé con Trivium. Tenemos el mismo camino. Cada álbum de Emperor es un cambio drástico del anterior, no tenían miedo de hacerlo y creo que hicimos lo mismo. Cuando terminamos el álbum, nos dimos cuenta de que la única cosa que faltaba era un intro apropiado. Un miembro del equipo de nuestra disquera estaba diciendo ‘bueno, cada banda de metal comienza con un intro sinfónico.’ Y dijimos, por supuesto que vamos a hacer algo que sea un intro sinfónico. Así que fuimos directamente a la fuente de algunas de las mejores composiciones que están en el metal ahora. Le enviamos la música, el arte y le dijimos: "cualquier cosa que veas en tu cabeza para el título de la canción y la canción fuera perfecto." Y eso es lo que salió.

En su último video musical para "Blind Leading The Blind", actúas como un hombre ciego. ¿Cuál es la historia de este hombre?

M: Este video cae en la categoría de… lo que sea que vean este video es correcto. No hay respuesta correcta o incorrecta. Hemos visto un montón de diferentes interpretaciones de lo que la gente piensa que el video representa visualmente.
C: Queríamos mostrar otro lado de la banda, algo un poco más en el lado del humor, pero que aún encajara con la vibra de la banda.

¿Y eres realmente bueno en la lucha de brazos?M: No, el tipo con el que estaba haciendo la lucha falsa de brazos es un luchador de jiu-jitsu de 265 libras. Incluso fingir con él fue tan duro. [se ríe] Es uno de los seres humanos más fuertes que he conocido.

La canción que da título al álbum tiene una pequeña influencia del heavy metal, incluso vocalmente hablando. ¿Es algo con lo que están de acuerdo?

C: Cuando éramos jóvenes músicos aprendiendo sus instrumentos y adentrándonos en el metal, estábamos obviamente influenciados por Metallica, Iron Maiden, Megadeth, Slayer, y hasta la década de los 90 con bandas como Pantera. A medida que fuimos creciendo y seguimos haciendo más, como que pensamos "siempre hemos tenido estas influencias y ya conocemos las cosas tan bien." Entonces nos preguntamos, ¿dónde podemos encontrar una nueva forma de inspiración para hacer algo diferente, o cómo inspirarnos en algo diferente a las mismas cosas viejas que nos han influenciado desde que éramos niños? Decidimos ir hacia atrás con el catálogo de Black Sabbath, Rainbow, Deep Purple, Diamond Head. Se convirtió en una nueva inspiración, y aunque esas viejas canciones han estado ahí desde siempre, se tiene una nueva apreciación de lo grandes que son. Así que tuvimos estas cosas nuevas por aprender al escuchar las influencias que nuestros héroes tuvieron, y como que nos ayudó y nos inspiró a componer algunas cosas que probablemente no hubiéramos encontrado si no fuera por escuchar este nuevo estilo. Fue muy emocionante ser así como un estudiante del metal. Y espero que seamos capaces de llevar la antorcha de alguna manera y que esos tipos miren nuestro disco y escuchen esas cosas que hicieron de una manera y que se sientan orgullosos de que nos inspiraron.

¿Es éste el tipo de banda rara que no olvida sus primeros discos y sigue tocando canciones en vivo de cada disco. ¿Es algo importante para ustedes?

M: Por supuesto. Una cosa importante que siempre decimos es que si su disco favorito es "Shogun", "Ascendancy", "In Waves", y si ese es el que más les gusta y prefieren, lo tocaremos en vivo y lo vamos a tocar adecuadamente, será de la misma manera en que lo escuchen en el disco, si no un poco mejor. Los gritos estarán en la parte de los gritos, el canto en la parte del canto, y eso es algo muy importante para nosotros.

Matt, se sabe que eres un gran fan del metal extremo, especialmente del black metal. ¿Cuáles son tus bandas favoritas de black metal?

M: Yo podría nombrar mis favoritos rápidamente y luego mis favoritos franceses, ya que estamos en Francia. Los favoritos son obviamente Emperor y también los álbumes solistas de Ihsahn. Ellos siempre rompieron las barreras de lo que se espera que hagan. En lo que a Francia se refiere, Francia tiene una colección de algunas de las bandas de black metal más diversas e inspiradoras. Puse a Alcest en la categoría, y ya saben que su nuevo álbum no suena como el black metal, pero ellos vienen de él y creo que eso es lo que les hace aún más black metal que el tradicional, ya que rompieron las barreras de lo que debería ser el black metal. Alcest, Deathspell Omega, Blut Aus Nord, Anorexia Nervosa y Regarde Les Hommes Tomber, algo así como un black metal sludgy. Durante el Festival Motocultor, uno de los miembros de la banda me encontró, me dio el nuevo álbum y me dio las gracias.

Aún hablando sobre black metal, ¿nos puedes contar acerca de tu encuentro con Rose de la banda francesa de black metal Anorexia Nervosa?

M: Sí, él vino a nuestro show en Bataclan cuando éramos líderes de cartel. Él es un gran tipo, me envió algunas playeras viejas de Anorexia Nervosa. Pasamos una noche divertida con él. ¡Las cosas que ahora está haciendo en The CNK [la otra banda de Rose] son increíbles!

Tienen un montón de grandes recuerdos en París/Francia. ¿Pueden compartir el mejor con nosotros?C: Fue la última vez en que fuimos líderes de cartel en París en el Bataclan. El nivel de energía de la multitud estuvo a otro nivel. En cierto modo me impactó. Elpit [pogo] estaba pasando y cada uno estaba involucrado de alguna forma u otra. Yo sólo quería dejar de tocar y ver a la multitud porque el nivel de energía era tan alto. En algún momento, yo estaba mirando y vi a estos dos niños que parecían que tenían como 12 años de edad. Tenían esa apariencia de "este es mi primer show de metal" y tenían sus brazos uno alrededor del otro y movían la cabeza tan jodidamente fuerte que pensé que se iban a golpear a sí mismos sobre la barandilla. Cuando estoy hablando de este show en particular durante las entrevistas sólo tengo este sentimiento de "¡no puedo esperar a tocar en París!", porque han pasado un par de años, así que espero que con todos estos años que no hemos tocado aquí y con el nuevo álbum, podamos llegar a un nivel aún más alto y superemos ese show. ¡Así que espero que cuando la gente lea esta entrevista y recuerde ese show, se animen para superarlo la próxima vez!?
M: Me hace pensar en la primera vez que tocamos en París, en 2005 en La Boule Noire. Había como 25 personas allí y es tan bueno ver el crecimiento entre el 2005 y ahora, siendo co-líderes del Motocultor este año, siendo invitados especiales en Hellfest el año pasado.

Estarán de gira por los EE.UU. y Canadá el próximo septiembre y octubre. ¿Podemos esperar una gira europea después de eso? ¿Más particularmente en Francia, París?

C: En este momento, no tenemos planes para una gira todavía, pero la próxima vez volveremos a Europa… están llegando ofertas y tenemos que revisar el calendario, pero vamos a estar haciendo festivales en junio, como Hellfest. Espero que ese sea el caso porque me encanta este festival. Y tal vez después de esto una gira europea en invierno.

Si decimos "metalcore en el 2015", ¿qué responderían?

M: Cuando llegó nuestra primera reseña, la gente estaba diciendo "oh, ustedes son una banda de metalcore, ¿verdad?", y la cosa que siempre hemos dicho es que somos una banda de metal. El metalcore es definitivamente un ingrediente de lo que es Trivium, pero no fue el principal.

¿Pero están escuchando algunos álbumes de metalcore del 2015?

C: Realmente ya no sé a qué se le considera metalcore.
M: El deathcore como que tomó su lugar. Y desafortunadamente As I Lay Dying ya no existe. Y ellos eran los reyes.

Última pregunta, nuestro website se llama "RockUrLife". ¿Qué es lo que "rockea" sus vidas?

M: ¡En realidad, el hecho que acabamos de terminar nuestra gira de prensa porque esta fue la última pregunta de la última entrevista! La pasamos increíble con festivales exitosos donde fuimos líderes de cartel, y luego este tour de prensa donde en todas las entrevistas parecían realmente emocionados por nuestro nuevo álbum. La vida es buena ahora. ¡“Silence In The Snow” está "rockeando" nuestras vidas ahora!
C: ¡O incluso controlando nuestras vidas! [ríe]
M: "Merci!" ("Gracias", en francés)

Sep 29, 2015
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Con último disco de Trivium, Silence In The Snow, demostrando un cambio musical significativo desde Vengeance Falls (2013) no es quizás ninguna sorpresa encontrar que el álbum no sólo se basa en una paleta diferente de influencias, sino que también fue creado en circunstancias muy diferentes. Habiendo adoptado durante mucho tiempo un enfoque de "la preparación es la clave", el grupo regresó a sus raíces, invirtiendo un serio tiempo sobre practicar como una banda completa antes de entrar en el estudio, redescubriendo los beneficios de maximizar el tiempo en la sala de ensayo en el proceso.

“Nos dimos cuenta de lo importante que es para nuestra banda ir al lugar de ensayo y simplemente practicar como grupo,” admite Corey. “Así que esta vez pasamos sólo practicando dos semanas antes de que nuestro productor Michael Baskette comenzara a trabajar con nosotros. Tocar las canciones como grupo tantas veces antes de grabarlo ha significado que el disco tiene mucho más de un sonido vivo, orgánico en él. La forma en que fluye no se siente tan nerviosa y tocar en vivo este material se siente más natural. Lo hicimos de una manera diferente al último disco, pero había algo que extrañábamos que realmente trajo un poco de vida extra a la música.”

“No soy un gran fan de los equipos deportivos,” añade Matt, “pero la mejor metáfora para eso es toda la preparación que va para un gran juego. Durante el juego real, es donde está toda la actuación, ahí es cuando todo el trabajo duro que uno pone se supone que entra en juego. No es durante el juego donde uno debe mejorar o analizarse a sí mismo. Ponemos mucho tiempo en la preparación; conozco algunas bandas que piensan, ‘Voy a mejorar en la gira, voy a mejorar al hacer el disco’, pero en mi experiencia eso nunca sucede.”

No hay duda de que su decisión de grabar Vengeance Falls en el estudio casero del líder de Disturbed David Draiman tomó algunos fans por sorpresa, y como se ha mencionado, en esta ocasión la banda ha optado por un cambio completo de escena, el disco fue producido por Michael Baskette (Slash, Alter Bridge) y mezclado por Josh Wilbur (Gojira, Lamb Of God). El grupo también fue capaz de crear la nueva obra sin tener que viajar demasiado lejos de sus hogares cada día – una gran ventaja para todos los involucrados, como explica Corey.

“Especialmente estando de gira tanto tiempo, lo último que queríamos hacer era tomar más tiempo lejos de casa para ir a hacer un disco,” dice riendo. “Fue agradable ser realmente capaces de levantarnos y hacer nuestras cosas normales del día a día, luego ir al estudio, trabajar y volver a casa de nuevo, pasar el rato con los amigos, relajarnos y simplemente desconectarnos de estar atrapados en un estudio oscuro, sin ver la luz del sol y estar en una ciudad extraña donde no conoces nada.”

“Fue muy divertido estar en la casa de alguien y me gustó mucho vivir en la casa de David,” Matt señala. “Podíamos ver las peleas en el fin de semana, ir a los restaurantes y también fue más como una dinámica familiar que cuando hicimos el nuevo disco. Pero también fue bueno cambiar de ajuste. Probamos un montón de cosas; nuestros tres primeros discos fueron grabados en un garaje convertido, el cuarto fue grabado en un estudio de música country de varios millones en Tennessee, el quinto se realizó en estudio convertido de un centro comercial, el sexto en la habitación de invitados de David Draiman, y el nuevo en un garaje convertido en estudio profesional. Ha habido un montón de variedad y tengo que ser honesto y decir que nada de lo que hemos encontrado en nuestra carrera hasta ahora suena mejor que el otro.”

Sep 29, 2015
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Source: TRIVIUM COME OUT SINGING 

Un reportaje sobre Trivium está disponible en la edición número 275 de la revista británica Metal Hammer. El reportaje completo está en el enlace que publicamos en la parte superior, pero como algunos necesitan suscripción para poder leerlo en su idioma original, también incluimos los scans, los cuales están localizados al final de la traducción del artículo: 

Después del curioso experimento de Vengeance Falls liderado por David Draiman, Trivium han vuelto a su música, mirado a sus héroes y ahora ellos han salido cantando. Texto: Dayal Patterson
Fotos: Mick Hutson
Traducción: Viry Abernethy“Fue como que las estrellas se hayan alineado para un momento mágico.”
El guitarrista Corey Beaulieu recuerda la aparición de Trivium en Bloodstock en el Escenario Ronnie James Dio.El confeti de los tanques de Sabaton se asienta bajo los pies, el sol cae, y cuatro hombres del estado de Florida caminan hacia el escenario principal del Bloodstock para tomar su puesto como la banda que cierre. Mientras ellos comienzan la canción que da título a su nuevo álbum, Silence In The Snow, los ojos de dos siniestros cráneos destellan detrás de ellos, los cañones de dióxido de carbono estallan, y ellos posan triunfantemente. El Bloodstock no sólo marcó el debut del nuevo sonido de Trivium, sino también fue su debut como líderes de cartel en un festival en el Reino Unido, en un evento comprometido con la comunidad del metal. Pero la aparición tuvo una importancia añadida para los cuatro chicos en el escenario – ellos estaban tocando en el Escenario Ronnie James Dio, nombrado en tributo a uno de las figuras más legendarias en el panteón del metal, y su héroe. Habiendo tocado junto al mismo hombre (en el súper grupo Heaven & Hell) allá por el 2007, Trivium se influenció en él para crear su nuevo trueno de heavy metal clásicamente inclinado.“Eso cambió el juego en su totalidad,” comienza el líder Matt Heafy, recordando sus experiencias con Dio. “Él fue uno de los cantantes más grandes que he oído en toda mi vida y, hablando con él después, él fue muy acogedor y noble, haciéndonos sentir como amigos de toda una vida. Nos inspiró inmensamente a cada uno de nosotros, e inmediatamente después de ese show comencé a componer Silence In The Snow. Pero no estábamos listos para una canción de su magnitud – y su magnitud fue a través de su simplicidad – así que la guardamos. Cuando empezamos a componer este álbum, Paolo [Gregoletto, bajista] nos dijo, ‘Traigamos de vuelta esa canción.’ Así que empezamos a componer la música en torno a ella y viendo qué encajaba. Queríamos aprender del origen y de los héroes de nuestros héroes – ya saben, ¿qué escuchaban bandas como In Flames, Slayer y Metallica?”La respuesta a esa pregunta eran iconos como Iron Maiden, Judas Priest, Dio, Rainbow y Black Sabbath. Desde que se volvieron una revelación con su segundo álbum Ascendancy en 2005, Trivium han estado alejándose continuamente de sus raíces de metalcore y del death metal melódico, dando un mayor énfasis en los buenos valores del metal clásico. Pero con Silence In The Snow, el grupo ha dado un gran salto, adoptando un sonido más asociado con el power metal de Europa que al metal contemporáneo de Estados Unidos. Audaz y sin complejos, celebra una era mucho más temprana mientras sólo deja trazos intactos de thrash, death metal y metalcore. Marca un significante cambio musical, incluso en relación con Vengeance Falls de 2013. Algunas diferencias circunstanciales separan los dos lanzamientos – el reemplazo del baterista Nick Augusto por quien fue su técnico, Mat Madiro, y la producción de Michael 'Elvis' Baskette (Slash, Falling In Reverse, Alter Bridge) en lugar del líder de Disturbed David Draiman. Pero lo más significativo parecen ser los sonidos que inspiraron a la banda para componer.“Traer de vuelta a esa canción nos hizo recordar haber visto Heaven & Hell, y nos hizo querer escuchar más Dio y Sabbath,” sonríe el guitarrista Corey Beaulieu. “Esa canción nos llevó a esa era del metal, se filtró dentro de nosotros, y las canciones simplemente comenzaron a surgir. Tratamos de hacer un disco que haría sentir orgullo a esos tipos de que inspiraron a una nueva banda para tratar de ondear la bandera para el metal. Y la primera canción que tocamos en, casi un año, fue liderando el Bloodstock en el Escenario Ronnie James Dio, abriendo con Silence In The Snow, la cual se inspiró en haberlo visto. Fue como que las estrellas se hayan alineado para un momento mágico.”Otro sorpresivo cambio estilístico en Silence… es el estilo de canto de Matt. Cuando sufrió problemas de voz en mayo de 2014, Trivium se vieron forzados a cancelar algunas fechas. Sorpresivamente agitado por perder una de las herramientas principales del arsenal de la banda, el líder fue obligado a volver a lo básico, reacondicionando lo que él pensaba que sabía sobre cantar. Como resultado, el nuevo disco no tiene voces con gritos – algo que resulta sorprendente, incluso teniendo en cuenta las obras pasadas de Trivium.“Hace un año y tres cuartos, me lastimé la voz, y Matt de Avenged Sevenfold me envió un mensaje y dijo, ‘Oí que te dañaste la voz; hazme saber si puedo ayudarte.’ Eso me impactó. Le pregunté qué hizo cuando se lastimó la voz. Él me puso en contacto con su maestro de canto, Ron Anderson. Ron ha enseñado a Axl Rose, Chris Cornell, Janet Jackson – la lista sigue. No solo me ha ayudado con mi canto limpio, sino me ha enseñado una técnica correcta para gritar, porque lo que había estado haciendo por 15 años era incorrecto, y estaba al borde de perder mi voz. En el pasado, cantar era una preocupación, y gritar me daba dolores de cabeza y hacía que me dolieran los pulmones y mi garganta. Pero yo pensaba que esa era la manera en que tenía que ser.”La banda está dispuesta a hacer claro que la ausencia de gruñidos en el nuevo álbum no indica necesariamente una partida permanente, y que el material antiguo todavía se entregará del mismo modo en vivo. Y al mismo tiempo, Matt no sólo está adoptando su nuevo enfoque, sino que dice que es algo que siempre quiso lograr. “Cuando comencé esta banda, no quería ser el cantante, pero Travis [Smith, baterista original] dijo, ‘No, tú vas a ser el cantante’,” él ríe. “Yo tenía 13, él tenía 17 con un tatuaje y era más grande que yo, y yo estaba asustado, así que lo escuché. Yo quería ser un cantante como Bruce Dickinson, Dio o Freddie Mercury, pero mi voz no funcionaba de esa manera – la única cosa que funcionaba era gritar. Pero cuando estábamos componiendo no dijimos ‘No habrá gritos en este disco.’ Dijimos, ‘Si necesita gritos, los usaremos.’ Y no terminamos necesitándolos para nada.”“A nivel creativo, también queríamos retarnos a nosotros mismos, hacer algo que no habíamos hecho antes,” añade Corey. “Eso no significa que no somos pesados, o que estamos rebajados – simplemente estamos tratando de empujar las barreras de lo que somos capaces de hacer.”Las palabras de Corey parecen adelantarse a las críticas que serán arrojadas a la banda a raíz de Silence… Uno se pregunta si hay un peligro de enajenar a los fans de Trivium que se ganaron con material más pesado con al menos algunas voces con gruñidos. ¿Les preocupa sorprender a la gente?“Creo que cada disco es una sorpresa, y me encanta eso,” sonríe Matt. “Lo bello con nuestra banda es que nunca sabemos adónde nos dirigiremos después.Ascendancy fue muy exitoso, e inmediatamente después [con The Crusade de 2006] mostramos que no teníamos miedo de hacer algo completamente diferente, lo que todavía estaba dentro del espectro de lo que sabemos que es Trivium. Y no lo estamos haciendo para ser malévolos con la gente que nos apoya, lo hacemos para hacer el tipo de música que queremos escuchar como fans del metal. Y quizá también estamos pensando en el subconsciente, ‘¿Qué hacen todos los demás y qué hacemos nosotros?’”“Esto es 10 años después de Ascendancy,” señala Corey. “Ese disco realmente nos puso en el mapa, y esperamos que este disco sea el punto definitorio para los próximos 10 años. Queríamos algo que destacara, tal como Ascendancy lo hizo hace 10 años.” Ya sea que Silence… sea visto en la historia como el comienzo de una valiente nueva era para la banda o simplemente un notable esquivo, su ambición es encomiable. Es un rasgo que siempre han tenido, y es a veces interpretado como arrogancia, sin embargo conduce a un enfoque castigador y auto-diagnosticador de lo que es estar en una banda.“La primera vez que aparecimos en la portada de una revista, nos volvimos conocidos por la frase ‘Vamos a ser los próximos Metallica’,” recuerda Matt. “Para empezar, a la gente le gustó esa frase. A las revistas les gustaba la idea que aquí tenían a unos chicos confiados que iban a causar revuelo. Pero inmediatamente después de eso, pareciera que todas las bandas del mundo, nuestros compañeros, fans, e incluso revistas, odiaron el hecho que hicimos eso. Y tuvimos que decir, ‘Oh, éramos arrogantes y jóvenes, sólo somos felices tocando música, todo está bien.’ Y ahora siento que por qué alguien tendría… por qué alguiendebería… ¿y por qué sentimos que necesitábamos disculparnos por nuestras metas?”Donde Trivium se dirija a partir de aquí es difícil de predecir. Habiendo pisado tan libremente de un estilo a otro, ellos están claramente titubeantes de presentar Silence In The Snow como algo más que Su Nuevo Álbum, y ciertamente no un nuevo modelo para la identidad de la banda. Pero lo que está claro es que representa un continuo impulso para seguir logrando cosas, un regreso a casa, y sobretodo una celebración de los valores del metal.“Estos somos nosotros, interpretando lo que tratan los clásicos, usando nuestras herramientas,” concluye Matt. “Esperamos que si la gente no está consciente de quiénes son Rainbow, Dio o Black Sabbath, el hecho de que nosotros hablemos sobre su influencia hará que les llamen la atención.”DEMONIO DEL OTOÑO¿Cuál es el rollo con la nueva mascota japonesa de cráneo de Trivium?Visto en el show en vivo de Trivium y en el arte de portada, el nuevo logo de cráneo está inspirado en la historia del samurai Watanabe no Tsuna peleando contra el demonio Ibaraki dōji en la puerta Rashomon.“Él cortó el brazo del demonio, y éste huyó, pero años después una vieja mujer lo visita y le pide ver el brazo,” cuenta Matt Heafy. “Él le muestra el brazo y ella lo toma, se lo une a sí misma, y se vuelve demonio y huye, y nunca se oye de eso otra vez en el folclor japonés. Yo quería que a mi artista de tatuajes – Kahlil Rintye en Tattoo City en San Francisco – se le ocurriera un logo de cráneo – una mascota como el cráneo de Motörhead o el de Misfits – y que fuera descubierto como el cráneo de la demonio Ibaraki dōji, ya que nadie oyó de ella otra vez,” explica.Luego que el artista de tatuajes de Matt dibujara el cráneo, un diseñador de disfraces lo volvió en máscaras reales de color negro, blanco, hueso y metal, que es lo que ven en el arte del álbum.“Silence In The Snow fue compuesta cuando estábamos haciendo shows en Japón, y el título fue tomado de una pieza japonesa que muestra dos guerreros tatuados peleando en la nieve,” explica Matt. “Debido a que es la mitad de lo que soy, las imágenes japonesas son muy importantes para mí.”

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