Source: The Story And Sound Behind Silence In The Snow
“Silence In The Snow”: arte y orígenes de la canción
– Matt Heafy
La nueva mascota-cráneo de Trivium, "Ibaraki" se deriva de la vieja historia japonesa de Ibaraki contra Watanabe No Tsuna.
En la historia, Ibaraki está aterrorizando la puerta de la ciudad de Rashomon, y sólo un guerrero se enfrenta al demonio para vencerlo de una vez por todas. Watanabe No Tsuna rebana el brazo del demonio y el demonio huye de Rashomon. Años después, una anciana visita a Watanabe y pide ver el brazo; cuando la anciana pone su mano en el brazo, ella se convierte de nuevo en Ibaraki y una vez más huye, esta vez, para siempre.
La idea fue hacer que mi tatuador Kahlil Rintye (de Tattoo City en San Francisco) creara el cráneo Oni de Ibaraki. Kahlil creó el diseño inicial y para Silence llevamos el boceto a Vincent, un fabricante de disfraces y máscaras que hizo el blindaje en la película Dogma. Vincent creó la máscara Oni real de Ibaraki, y eso es lo que Jon Paul Douglass fotografió para la portada del álbum de Silence.
La canción "Silence In The Snow" se inspiró en la noche que vimos Heaven And Hell en vivo en Japón. Inmediatamente después del set, todos pudimos conocer a Dio – todos pudimos comprenderlo y charlar con él sobre cosas de metal y música. Dio fue uno de los músicos más acogedores y humildes que hemos conocido. Comenzamos a escribir "Silence " después de esa noche, en el año 2007; la canción fue pensada inicialmente para que estuviera en el álbum Shogun.
El título de Silence se deriva de la serie de la historia japonesa de Suikoden, específicamente la historia de Yuki No Danmari. Yuki No Danmari se puede traducir para que signifique “Silence In The Snow” (Silencio en la nieve). La obra de arte real de Yuki No Danmari representa a dos guerreros tatuados que pelean en un entorno nevado. Esta fue la pieza que inspiró el nombre de la canción en sí.
Sentimos que Silence como álbum no sólo captura la mezcla del metal moderno y clásico, sino también combina adecuadamente los mundos del arte clásico y contemporáneo; utilizando enfoques modernos y representaciones del arte clásico histórico e historias japonesas.
Según la leyenda, en el siglo 10 del Periodo Heian en Japón, Ibaraki- dōji, un Oni notorio, residía en la puerta Rashomon en Kyoto. Ibaraki- dōji acosaba a la gente que trataba de pasar a través de la puerta Rashomon hasta que un samurai heroico llamado Watanabe No Tsuna, un retenedor leal de Minamoto no Raiko, fue a someter al cruel Ibaraki-doji. Cuando Tsuna llegó a la puerta Rashomon fue atacado por Ibaraki- dōji. Sin embargo, Tsuna era un espadachín fuerte y valiente que fue capaz de defenderse contra el ataque feroz por el oni Ibaraki- dōji. La batalla se prolongó hasta que Tsuna sacó su katana y cortó el brazo del demonio. Gritando de dolor Ibaraki-dōji huyó de Tsuna, dejando su brazo cortado en la puerta Rashomon. Tsuna tomó el brazo de Ibaraki-dōji como trofeo. Cuando llegó a su casa en su mansión envolvió el brazo cortado y lo guardó en un cofre. Unos días más tarde, una mujer mayor que parecía ser Mashiba, la tía de Tsuna, vino a visitar a Tsuna. Durante la conversación, la tía de Tsuna le pidió a su sobrino que le contara cómo luchó con el demonio, y cuando Tsuna mencionó que tenía el brazo cortado en su poder su tía tuvo curiosidad y pidió verlo. El incauto Tsuna, sacó el cofre que tenía el brazo de Ibaraki-dōji dentro y cuando sacó el brazo del cofre, su tía se reveló como Ibaraki-dōji disfrazada, agarró el brazo y escapó de la mansión de Tsuna. Tsuna se asombró de que Ibaraki-dōji se había hecho pasar por su anciana tía Mashiba y no la persiguió. Sin embargo, incluso después de recuperar su brazo, Ibaraki-dōji nunca volvió a habitar la puerta Rashomon de nuevo.
Historias de “Silence In The Snow”
– Paolo Gregoletto
Silence in the Snow
Nos metimos a un pequeño vestidor en el Academy en Glasgow a principios de 2014, estábamos de gira con nuestros amigos de Killswitch Engage pasándola increíble. Creo que la emoción de esa gira como que encendió la chispa creativa una vez más. La necesitábamos más en ese momento que lo que la gente probablemente notó, habiendo pasado algunos momentos amargos en la anterior gira en Estados Unidos, fue algo así como un salvador la banda.
En fin, estábamos tocando nuestros demos en los altavoces Bose en nuestra habitación y fuimos hasta el final de la lista, y luego alguien puso los viejos demos, los huesos de canciones que nunca utilizamos.
"Silence in the Snow" estaba allí una vez más. Fue una especie de canción de culto entre los Trivium Worlders, por lo que su presencia había existido y siempre fue una opción que nunca se había sentido como la indicada en el momento. Todo cambió esa noche, tal vez fue la combinación de tener canciones en siete cuerdas una vez más y la energía de un show agotado que nos esperaba, pero simplemente conectó y había llegado el momento de dar su oportunidad a la canción.
Blind Leading the Blind
El riff del intro de esta canción fue una oda a nuestro pasado. Me senté con la intención de escribir un riff que podría haber fácilmente tenido cabida en Ember to Inferno o Ascendancy. Siempre hemos llevado a casa el mensaje de empujar los límites y llevar nuestro sonido a nuevas direcciones, pero siento que si uno no recuerda sus raíces de vez en cuando, entonces es fácil perderse.
Uno sólo vive en la sombra de un álbum si intenta escribir el mismo una y otra vez.
Esta canción fue diferente; yo tuve la idea que iba a empezar las cosas como algo que solía hacer y terminar en un lugar totalmente nuevo. Las voces del verso y el riff fueron un producto de nosotros practicando y Elvis ayudando a guiar los cambios de acordes en la dirección correcta para que melódicamente las voces fluyeran muy bien.
El pre-coro fue diferente a cualquier parte de la historia de la composición de Trivium y mintiera si dijera que no estaba pensando en lo que haría Tony Iommi cuando compuse la pieza. De hecho fue una parte fácil que fue más difícil de grabar que componer, y si uno no le da el swing correcto entonces no se sentirá bien. Creo que cada uno de nosotros tuvo que repasar esa parte específica algunas veces en la grabación para dar bien en el clavo.
Esta canción tiene algunas de mis secciones favoritas de solos. Corey está disperso por toda esta canción con sus melodías y shred, y creo que realmente llevó la pista al siguiente nivel cuando puso su marca en esta canción. Y ese es realmente el caso para la mayoría de las canciones que yo traigo: les dejo espacio para las líneas melódicas que Corey compone y lo que preveo que Matt hará vocalmente.
Dead and Gone
A Matt le pidieron que "compusiera en secreto" ("ghost write") una canción para el álbum de una banda nueva. Cuando nos mostró el demo inmediatamente me enfoqué en el tono, que era más bajo que nuestro habitual tono para siete cuerdas (Bb estándar), y me di cuenta de que era la séptima cuerda afinada todo un paso más baja. Sonaba pesada e hizo que un simple riff con groove sonara intenso.
Avancemos rápido unas semanas más tarde y yo estoy haciendo un poco de composición en casa y me quedo estancado. Estoy cansado de las canciones habituales en 6 cuerdas y nuestras afinaciones estándar. Así que lo suelo hacer cuando llego a esta etapa del bloqueo del escritor, digo “a la mierda”, y pruebo algo fuera de lo ordinario, y fue entonces cuando afiné mi guitarra de siete cuerdas en el tono MKH/GhostWriter y lo primero que se me ocurrió fue el riff principal de "Dead and Gone".
No es la mejor afinación para canciones rápidas, pero para un groove a medio tempo y un tono fuerte, funciona a las mil maravillas. Es sin duda uno de los aspectos más destacados del álbum para mí, es como nada que hayamos hecho y empuja el sonido de Trivium un poco más a los bordes.
Tuvimos el estribillo de "Dead and Gone" mucho antes de la grabación real, creo que se nos ocurrió una noche en la parte trasera del autobús en Mayhem. Sin embargo, el contenido global del tema y las letras no se habían enfatizado sino hasta el día que Matt grabó las voces. Escribimos casi el 80% de la letra de esa canción dentro de una hora antes de comenzar a grabarlas, y yo diría que fue una ocurrencia común con este disco: Llegar al estudio con las canciones terminadas, refinarlas o reescribir mejores, y luego grabar.
Recuerdo que Matt leyó las letras que tenía y nos sentamos y pensamos por unos minutos y yo sentí como el mensaje general ya se había dicho en una canción anterior. Así que fuimos de un lado a otro en lo que podría ser una mejor idea, argumentando a favor y en contra de cambiar partes, y en última instancia el desacuerdo se dio en el lugar perfecto. Cambiamos el enfoque desde una fuente externa a nosotros mismos.
"Dead and Gone" trata sobre llevar un legado, de ser capaz de luchar por lo que uno cree y por aquellos que vinieron antes que uno. Como banda, uno lleva una responsabilidad de transmitir lo que ha llegado antes. Cuando escribo un riff o una línea de bajo a menudo pienso en eso, ¿es digno de las bandas que crearon este género? Muchas veces no está en mi opinión, pero siento que si uno se empuja a cumplir con esa norma se está obligado a llegar a ella de vez en cuando.
El motivo secundario es sobre el temor de ser olvidado. La música que hacemos ahora será por lo que seremos recordados y eso me asusta mucho. Es nuestra única oportunidad de decir algo y darnos a conocer entre, una vez más, las grandes bandas que allanaron el camino para que nosotros estuviéramos aquí. Uno puede llegar a ser tan consumido con el presente que a menudo se olvida por lo que se ha pasado y cómo ha cambiado eso el tiempo, cómo los álbumes y canciones son vistos de manera diferente cada año que pasa. Así que por el contrario, pensamos en ¿cómo se verá nuestra música en el futuro? (Esta es también una razón por la que utilizamos parte del estribillo de "Shogun" como una llamada y un tipo de respuesta para el pre-coro.)
The Ghost That's Haunting You
Esta canción fue extremadamente colaborativa en el departamento lírico. El título original de trabajo era "I Find A Way to Fall" y Corey había echado algunas ideas para que la canción fuera acerca de alguien que, sin importar lo mucho que tiene a su favor, siempre parece arruinar oportunidades o echarlas a perder.
A medida que la canción se desarrolló en la pre-producción y finalmente en la grabación, creo que nos dimos cuenta de que queríamos reforzar esa idea y refinarla un poco. Nos pusimos de acuerdo en hacer que tratara sobre esa voz interna o persona, tal vez un demonio interior. Veo la canción como una especie de diálogo interior entre uno y lo que está impidiendo vivir la vida de la manera que uno desea también.
Este fue otro caso de Matt y yo sentados en la sala de control con la canción reproduciéndose una y otra, parte por parte, re-escribiendo o creando nuevas letras. Se me ocurrió la idea de la línea de "The Ghost That's Haunting You" mientras estaba sentado en la parte posterior de la sala mientras Matt estaba grabando. Sentí que estábamos 99.9% allí con todo, pero necesitaba ese gancho que lo uniera todo. Definitivamente se ha convertido en un track destacado para mí, y me gusta saber que realmente requirió de un trabajo colaborativo para terminar la letra.
La sección central de esta canción fue construida en nuestro lugar de práctica. Corey trajo casi todo, pero creo que en algún momento decidimos que necesitábamos tocarla y sacar algo nuevo para esa sección. Elvis realmente enfatizó el hecho de hacer estos puntos de solos casi en una canción por sí mismos, y si soy totalmente honesto, creo que como que pasamos por alto ese aspecto por un tiempo.
Cuando Matt no canta, es necesario que haya un riff rudo o un solo que se haga cargo de la canción. Creo que en esta sección del puente tenemos tanto un riff que honra a King Diamond y uno de los mejores momentos de Corey, un montón de shred, pero lo más importante es que es memorable. ¡Uno puede cantar y hacer guitarra de aire con esta mierda! Y eso viene de un bajista, porque nada me pone a dormir más rápido que un solo de guitarra que parece un ejercicio sin valor.
Pull Me From The Void
Esta canción fue el último tema que trabajamos en pre-producción. También cuenta con el distinguido honor de ser la única canción hecha de dos demos separados – uno de mí mismo y uno de Corey. No voy a decir qué partes fueron hechas por quién, pero estaría interesado en ver si adivinan.
El coro tiene que ser uno de mis favoritos debido al ritmo, de nuevo un giro a la parte que abre un enfoque vocal diferente. Hemos utilizado ese sentir en canciones como "Into the Mouth of Hell" e "Inception of the End", pero esto fue de principio a fin en esa sensación. Las voces tenían que seguir el riff y con ello. Recuerdo que Elvis estaba cantando una melodía al riff principal (y eventualmente el coro) que yo tenía y a Matt ocurriéndosele cada palabra de "Pull Me From The Void", excepto la palabra "pull". No puedo recordar cuál palabra era, pero recuerdo que pensé que era demasiado pasiva, especialmente si uno pide la ayuda de alguien para sacarte de una situación. Sugerí usar "pull" en su lugar y creo que en última instancia impactó mucho más.
"Pull Me From The Void" es una petición de ayuda, se trata de estar ya sea en una mala situación, o en algún lugar que no es el ideal en la vida y pidiendo una influencia externa para salir de ella. Uno puede insertar tantos escenarios aquí, pero de nuevo, sólo podemos componer sobre lo que sabemos, y en una banda uno puede encontrarse en un lugar donde simplemente no encaja, o que sabes que ya no es el adecuado para ti y que se tiene que tratar de escapar antes de que sea demasiado tarde.
Until the World Goes Cold
Este fue otro momento ambicioso para mí. Yo tuve algunas ideas extrañas de mezclar las siete cuerdas con partes acústicas y hacer algo muy diferente al resto del álbum. Si muestro el demo o desmonto las voces de la pista final es definitivamente un asunto simple, pero esa no fue la intención en absoluto. Quería capturar un ambiente que se sintiera como anhelar algo que estaba cerca o tal vez siempre fuera de alcance.
Esta canción es acerca de nuestra banda y lo que significa estar en una banda. Creo que si le preguntan a cada uno de nosotros lo que significa personalmente, es posible que obtengan una respuesta ligeramente diferente, pero la historia en general es desde nuestra perspectiva.
Es una canción para cualquier persona que alguna vez trató de vivir un sueño o establecer una meta e ir por ella.
Se trata de sacrificios personales hechos sin saber que todo valdrá la pena al final.
Uno puede optar por mantener el rumbo y aceptar que no se puede tener todo. No creo que sea una canción triste, pero que está destinada a ser sobre ese viaje hacia lo que sea que uno elige en última instancia, y eso no siempre es un camino fácil.
Rise Above the Tides
Corey trajo esta canción al ensayo y realmente la trabajamos para volverla una canción monstruosa. Un gran enfoque para este disco fue encontrar el ritmo adecuado y dejando espacio para crear un gran álbum en cuanto a sonido, sobretodo en términos de gama baja. Terminamos deconstruyendo el riff del verso un poco y le permitimos construir. Creo que la colocación en el orden del álbum fue perfecta. Le sigue a "Until the World Goes Cold" y creo que el mensaje y la melodía se sienten más optimistas y en cierto modo alivia el tono sombrío.
Una vez más, esta canción tiene una gran sección de solo y, probablemente, el más largo del álbum. La afinación cambia, el sentimiento, la doble melodía y líneas vocales, todo se transforma en un punto bastante alto para este álbum.
The Thing That's Killing Me
En la víspera de una gira (no recuerdo cuál ) me di un reto sencillo: Escribir un riff y volver a terminarlo después. Así es como el riff principal de la canción entró en existencia. Es raro separar así sesiones de escritura, pero se trata de probar nuevos métodos cuando ya no se me ocurren ideas. He tenido canciones que salen de mí como yo estuviera destinado a escribirlas, y he tenido algunas que realmente me desafiaron – en realidad algunas que me han molestado sobremanera y me han hecho cuestionarme por qué trato de escribir música.
Este fue un buen cambio de ritmo. Componer un riff sólido, volver y llenar los espacios en blanco cuando fuiste privado plenamente de las habilidades de componer en la gira, algo que he hecho a propósito, a menos que sea absolutamente necesario hacerlo. Todo salió a la perfección y creo que me lancé directamente a hacer la canción más acerca de las líneas de bajo que las de la guitarra para empezar. La línea de bajo del pre-coro impulsa la melodía en la música mientras que las guitarras tocan las notas de raíz y acordes.
Beneath the Sun
Esta canción estaba por descartarse en la sesión de la escritura. Pasó por muchas variaciones y diferentes afinaciones. Creo que la incertidumbre de la existencia de la canción terminó haciendo su camino hacia la letra sin darnos cuenta en ese momento. Es una canción acerca de no perderse a sí mismo y a su identidad. Es curioso cómo la canción pasó por exactamente el mismo problema.
Tuvimos un fin de semana libre de la pre-pro con Elvis y yo sabía que el ambiente en general era que esta canción estaba bien hasta la mitad. Entonces como que no fue a ninguna parte y no se nos podían ocurrir las piezas adecuadas. Nosotros nunca estamos cortos de riffs e ideas, pero esto simplemente nos dejó perplejos y, finalmente, hay que hacer el recorte si no está funcionando.
Yo creí lo suficiente en la canción para decirle a Elvis y los otros chicos que me dieran la oportunidad de probar ideas durante el fin de semana: si volvía con algo, bien; si no, sabía que esta canción iba a ser desechada. Mi viaje de regreso al sur de Florida fue de tres horas, pero con un problema sin resolver se sintió como un viaje de 12 horas. No puedo soportar cuando hay algo mal y no tengo ningún medio para abordar la cuestión. Lo primero que hice cuando llegué a casa fue tirar mis maletas en la esquina, iniciar Logic, y volver al trabajo.
Cuando volvimos a estar juntos el lunes siguiente toqué el recién re-trabajado demo y todos sintieron la vibra, para mi alivio, y mostré a Matt y Corey el nuevo riff y terminamos creando una nueva parte poco después de atar el tema. Es increíble la cantidad de tiempo y esfuerzo que puede ir en una parte tan corta como 30 segundos.
Breathe in the Flames
"Breathe" fue la última canción a la que hice demo antes de que empezáramos nuestra pre-producción. Nos habíamos encontrado con Elvis y realmente me gustaron muchas de sus ideas y conceptos para componer canciones, utilizando cambios en el tono y "puntuación" con paradas para mejorar las transiciones a través de la canción. Es muy fácil perderse en simplemente hacer riffs y perder de vista esos pequeños detalles que al final HACEN la canción. La canción necesitaba un poco de trabajo en el puente, pero esas partes siempre funcionan mejor en situaciones de composición donde nos vemos las caras. Mi trabajo consiste en hacer alrededor del 50-75% y dejar que los otros chicos lo lleven más lejos o planteen mejores ideas.
Las letras en el coro resumen la totalidad de esta canción muy bien: "The ones that build you up can burn you down the same." ("Los que te construyen también pueden quemarte"). He experimentado esto en cada nivel como banda, local hasta el internacional. Creo que siempre es bueno recordar que las personas tienen sus propias agendas en la vida, y uno tiene que darse cuenta de que las mismas personas te propulsarán y derribarán por las exactas mismas razones – ellas mismas. Si uno puede sobrevivir la experiencia una vez, puede hacerlo de nuevo, y después de un rato te dará un poco de confianza.
Inspiraciones Adicionales
El libro de Tony Iommi - "Iron Man" ~ Paolo Gregoletto
La lectura se ha convertido en la manera en que lleno mis momentos aburridos estando de gira – volar durante 12 horas, sentado en Medio de la Nada en EE.UU., o simplemente tratando de tomar un respiro de la vida autobús. Tengo un amor por muchos géneros, pero uno de los más evidentes para mí es la biografía de las bandas o memorias. Por suerte había comprado una copia del libro de Tony Iommi el año pasado mientras estábamos de gira, y si bien tuvo todo el libertinaje e historias del rock n’ roll que uno podría desear, tuvo un profundo impacto real en mí para la composición de este disco y también dio una gran perspectiva de lo que significa hacer esto para el largo plazo.
Tony es el cimiento para componer riffs en la música metal. Ha sido prolífico a través de cada década que ha estado activo, ha hecho marca con algunos de los cantantes más grandes del género, y, francamente, todos debemos nuestros trabajos a ese hombre que decidió dar un giro hacia un enfoque más oscuro a la música rock. Uno puede sentir que le encanta escribir riffs y música, y creo que el libro sólo me empujó de vuelta a mis propias ideas y me hizo querer pensar un poco más sobre cada una.
Su perseverancia a través de cada fase de Black Sabbath fue increíble. A través de todos los obstáculos mantuvo ese barco pasando por las tendencias, a través de momentos de falta de inspiración, a través de mala prensa, mala sangre, y todo lo que una vida en la música pueda arrojarte. Su historia te dice que tienes que luchar por esto porque las probabilidades están en tu contra. En segundo lugar solamente a aprender "Iron Man" en guitarra, yo diría que este libro tuvo un impacto muy profundo en mí como músico, y la verdad es que reafirmó mi creencia en tocar metal y música rock. Este estilo de vida no es para todos y creo que por eso me encanta.
La Mezcla Clásica/Moderna
El sonido de Trivium es muy simple de definir, es la mezcla de metal clásico y moderno. Lo que es clásico es siempre una constante, y lo que es moderno es siempre la variable en nuestro sonido. Creo que nos llevó casi 10 años y siete álbumes para entender realmente eso, pero viendo lo que hemos hecho, creo que eso resumiera cada álbum. Los hace únicos y, a veces funciona perfectamente, a veces pierde la marca, pero siempre nos adherimos a esa forma de pensar y al tema general en nuestra composición con la esperanza de que podamos crear algo que se sienta a la vez conocido y totalmente nuevo todo en una canción y a través de todo el álbum.